L’ira funesta della Medea di Sepe

Monstrum in latino significa prodigio, ciò che esula dalle comuni convinzioni e giunge a stravolgerle, sovvertirle. È ciò che non ha eguali e si accampa dinanzi alla percezione per sputarle in faccia i suoi angusti limiti. La Medea di Seneca, che è comunque lontana dal sofferto raziocinio del modello euripideo, non potrebbe essere definita diversamente. È l’essere “mostruoso” pronto a sacrificare qualsiasi cosa alla sua ira, che non è solo generata dal tradimento dell’uomo amato, ma rappresenta quell’energia prelogica che proviene dalle viscere e proprio per questo non si può arginare. Spetta a Maria Paiato, diretta da Pierpaolo Sepe, impersonare la donna che osò farsi tomba dei propri figli nello spettacolo che debutterà al Piccolo Teatro di Milano il 15 ottobre per essere poi proposto al Verdi di Salerno a partire dal.14 novembre. Il suo furor, la forza malata che fa a pezzi il raziocinio, diviene specchio di un mondo che si è solo illuso di possedere la concezione del limite e mostra a poco a poco le crepe di un equilibrio ingannevole.

Licia Maglietta, straordinaria “vedova”

Non sta “triplettando la pupilla”. Non sta “scarciofando la bocca”. Non invia messaggi erotici a ogni movimento delle anche. Quale segreto inconfessabile cela quella donna che a distanza di sei mesi resta ancora “accucciata” nella sua vedovanza? Con chi si trastulla nel segreto della (apparentemente) tranquilla vita della Gela bene? Facendo del monologo di Silvana Grasso pane per i denti della sua ironia, Licia Maglietta offre un’interpretazione brillante ne “Il difficile mestiere di vedova”, lo spettacolo accolto con entusiasmo al Teatro Verdi nella serata conclusiva del Festival Linea d’Ombra. Sulle note del più carezzevole dei mandolini, in un contrappunto dettato dal sarcasmo, la protagonista, Silvana, racconta l’attenzione comicamente maniacale con cui le signore che frequentano il prestigioso club nautico “La cozza” seguono ogni suo passo, nella speranza di darle un compagno per scongiurare l’”epidemia di corna e di divorzi” che la sua avvenenza può scatenare. In una leggerezza che ha però il suo peso (visto che a comparire in controluce è la solitudine, il dolore, la mancanza di senso) quella che viene definita senza appello “la più Circe tra le Circi”, la “buttanona sperta”, ovvero un mix di stregoneria e genialità, ha un asso nella manica, che non ha che fare col corpo, di cui è indizio la sua passione per il greco, la lingua meravigliosa che sa donare luce a qualunque aspetto della realtà. Silvana sa che la scrittura è salvezza, scudo contro ogni forma di malvagia idiozia e in un gioco straniante di equilibri rende la finzione la migliore alleata della verità. Decide cioè di “teatralizzare” se stessa, di impersonare il ruolo della mangiauomini cucitole addosso per lasciarsi alle spalle la sofferenza di chi si ritrova priva di punti di riferimento. Dato che è impossibile conoscere l’essenza di un individuo ed è infinitamente più facile attribuire le proprie nevrosi all’universo, tanto vale recitare nel modo migliore la parte che il pubblico, ovvero la collettività falsamente sollecita, esige e vuole applaudire. I ridicoli pretendenti (il mellifluo Rolando, il pedante Romeo) raccontano un’umanità talmente grottesca che la si sente di colpo vicina. Che si voglia scomodare Pirandello o meno, la menzogna della “scena” regala all’esistenza quel significato che di fatto le è precluso. E a volte esiste più autenticità in un gesto buffo ed eclatante che nella bieca condiscendenza degli ipocriti. 

Licia Maglietta e “Il difficile mestiere di vedova”

Una donna rimasta senza marito? Meglio alzare le barricate o sbarrare occhi ingordi: potrebbe essere una minaccia alla quiete sentimentale o un’interessante occasione di piacere. Regista di se stessa ne “Il difficile mestiere di vedova”, in programmama l’8 giugno al Teatro Verdi di Salerno nell’ambito del Festival Linea d’Ombra, Licia Maglietta porta in scena il monologo di Silvana Grasso su di una donna che calamita l’attenzione dei paesani e che si presenta non a caso all’interno di una cornice (chiara metafora del bisogno di incasellare gli individui nelle proprie convinzioni, come se non esistesse nient’altro al di fuori di esse). A chi l’osserva apparirà di volta in volta innocente, manipolatrice, algida o appassionata e lei a sua volta oscillerà tra le maschere frettolosamente imposte con ironia e amarezza. Lo sguardo che pretende di giudicare assomiglia a una forma di cannibalismo: si è talmente ossessionati da ciò che si osserva, dalla necessità di inghiottirlo nei propri parametri, che a sfuggire è proprio l’essenza di quel che si pretende di aver compreso. Le avventure della vedova tratteggiano allora la solitudine completa di chi vorrebbe essere solo qualcosa per se stessa, mentre gli improbabili registi del senso comune le cuciono addosso ruoli fittizi.

Roma, al Piccolo Eliseo “Esequie solenni”

Se la morte è il momento della verità, solo lo sguardo di due donne straordinarie può sottrarsi all’insopportabile ipocrisia che l'attornia. “Esequie solenni”, che Andrée Ruth Shammah dirigerà fino al 31 maggio al Piccolo Eliseo Patroni Griffi di Roma, basandosi sul testo di Antonio Tarantino, racconta intensamente l’incontro tra Nilde Iotti e la vedova di Alcide De Gasperi. Ivana Monti e Laura Pasetti convincono critica e pubblico in quella che si apre con i toni di una sfida, di un’inconciliabile vicinanza, per poi assumere la forma di un confronto libero e a tratti provocatorio. Franca e Leona si incontrano all’indomani della morte di Togliatti e si trovano alle prese con un peso che diviene sempre più insopportabile: il controllo delle strutture di partito, la difficoltà con cui una donna possa affermarsi, un’eredità da custodire, ma che rischia di annullarle, di strapparle a un’autocoscienza che possa finalmente rimescolare le carte. I dialoghi, che nel loro ritmo incalzante e nella tagliante ironia s’impongono subito all’attenzione, attaccano la sopraffazione di cui il potere si nutre da sempre e ne sottolineano la dimensione grigia, monolitica, il sospetto verso chi abbia il coraggio di essere solo se stesso. Il diverso cammino compiuto dalle protagoniste le induce a rivelare affinità insospettate: la solennità delle esequie è chiara metafora di chi vuole seppellire il senso critico in quella bara che è la costrizione dell’ideologia. Nessuna ideologia può però porsi al di sopra dell’anima di un individuo.

“La confessione” di Walter Manfrè, anime nude in scena

In una sequenza memorabile de “Il Gattopardo” diretto da Luchino Visconti, il principe Fabrizio (Burt Lancaster) rimprovera il sacerdote, interpretato da Romolo Valli, per la ritrosia a guardarlo mentre esce dalla vasca, ricordandogli che “la nudità delle anime è molto più indecente”. Quella dei peccatori che si alternano ne “La confessione” di Walter Manfrè è addirittura straniante: istiniti inconfessabili, pulsioni che riemergono ostinatamente, ipocrisie che vanno in pezzi si susseguono dinanzi allo spettatore chiamato ad ascoltare e giudicare, mentre un Prete Folle (Francesco Silvestri) lo catapulta all’interno di questo crudele cerimoniale. Lo spettacolo, che si terrà a Cosimo dal 24 al 26 maggio presso la Sala Pietro Palazzo, prevede che, su inginocchiatoi disposti su due file, dieci attori si confessino dinanzi a dieci spettatrici e che dieci attrici facciano lo stesso con altrettanti uomini del pubblico. Aldo Nicolaj, Stefano Benni, Dacia Maraini, Vincenzo Consolo, Aurelio Grimaldi sono solo alcuni degli autori dei monologhi, a cui hanno contributo nel corso degli anni altri scrittori italiani e stranieri. Offrirsi senza pudore al pubblico e lasciarsi ridefinire da diverse forme di scrittura fa della rappresentazione un discorso perennemente aperto su ciò che si vorrebbe dimenticare e una provocatoria messa in discussione dello statuto teatrale. Il voyeurismo di chi osserva diviene condivisione di una colpa che è anche specchio, per quanto distorto, della propria umanità; nel denudare la propria anima davanti a chi lo confessa, l’attore compie una sorta di maieutica rovesciata. Bisogna abitare il buio per comprendere cosa sia, ammesso che ci sia, la luce.

Il teatro coraggioso di Francesco Silvestri

Come combattere un dolore che divora la mente e il corpo? Con un amore tanto esclusivo da diventare una consacrazione. Non fatevi ingannare: l’enfasi e la commozione a buon mercato sono lontane anni luce dal teatro di Francesco Silvestri, che interpreterà fino al 19 maggio presso l’ex Chiesa SS Nicolò ed Erasmo di Modica Alta,sede dell'Accademia Teatrale Clarence, “Fratellini” con Vincenzo Tumino. La performance di Silvestri nel ruolo di Gildo toglie il respiro per la sua capacità di coinvolgimento, ma Tumino non gli è da meno nel suo dolente controcanto fatto di sguardi disperati e affettuosi e di parole ridotte all’osso. Con il pretesto di recarsi ogni giorno a messa, Gildo, che ha un lieve ritardo mentale, accudisce il fratello malato di aids e di fatto recluso in una stanza d’ospedale dove neppure le suore osano avvicinarsi, abbandonato dalla madre stessa, che è nominata con disagio ed è a sua volta prigioniera, murata nel suo aggressivo dolore. La solitudine si avverte fin dall’inizio della rappresentazione, quando riecheggiano per pochi istanti mille voci lontane di quella distratta e confusa quotidianità che esclude il giovane. Poiché il protagonista ha solo il tempo della celebrazione eucaristica per stare con il suo amato “fratellino” (che senso avrebbe dargli un nome? È una parte di lui), inframmezza i suoi discorsi con le parole del sacerdote per sapere quanto possa ancora trattenersi in ospedale. Gli racconta fiabe, impressioni, lo incoraggia, muove un aquilone sulla sua testa per inventare una libertà che gli è negata, rivendica il suo diritto ad accoglierlo, comprenderlo, difenderlo, esorcizzare la morte, leggendo per esempio nelle macchie sul suo corpo figure sempre diverse, come in un gioco tenero. Lo spoglia completamente e lo lava, nominando il corpo di Cristo (la nudità ricorda che è il rifiuto della carne a essere folle) e mostrando una volta di più che è la vita in se stessa a essere sacra. Il rituale amoroso di Gildo vale più di ogni messa e di ogni pregiudizio. L’uno è spazio e tempo dell’altro. E quando il fratello lo invoca con forza nel finale, come trascinato lontano dall’aquilone in una prefigurazione della sua fine, esplode il bisogno di anteporre il sogno e il desiderio a una realtà che è già morta, chiusa a chiave nella sua cecità come una madre che, a differenza del pazzo Gildo, sceglie di essere tomba e non più occasione di vita.

“La finestra sul cortile”, le insidie dello sguardo

“Se puoi vedere, guarda. Se puoi guardare, osserva” recita un proverbio. Può essere difficile però comprendere fino a che punto gli occhi si aprano al mondo o non pretendano invece di rinchiuderlo nel proprio sguardo. In che misura il vedere è un vedersi? E se l’atto di osservare fosse al contrario una forma di cecità, in modo da sfuggire a ciò che si è o si pretende di essere? Nella rilettura dell’opera di Cornell Woolrich Claudio Di Palma, regista e interprete al fianco di Andrea de Goyzueta de “La finestra sul cortile”, in scena al Teatrro Ghirelli di Salerno fino al 19 maggio, analizza le ambiguità legate alla tensione tra soggetto e oggetto della visione. Un uomo fa del suo computer un onnipresente punto di osservazione. Attraverso un sistema di telecamere nascoste può seguire le vite dei suoi dirimpettai che si compongono come un mosaico sempre cangiante dinanzi a lui. Mille prospettive si fondono in quella del protagonista, che crede di aver individuato un omicidio. Al di là delle dinamiche proprie del giallo, lo spettacolo insinua un dubbio nello spettatore. Le figure che ossessionano l’uomo che ha scelto la sua reclusione potrebbero essere fantasmi o forse il fantasma è lui, prigioniero non delle certezze, ma delle trappole in cui l’urgenza di scrutare, inseguire, capire lo precipita.