Al Giullare di Salerno “Omicidio sul treno verso est”

Un’arguta investigatrice e scrittrice (Amelia Imparato, attenta a ogni sfumatura del suo personaggio); un’assistente giovane e ingenua (Caterina Micoloni, che convince con la sua freschezza); personaggi alquanto curiosi (Augusto Landi, Andrea Bloise, Rocco Giannattasio, Alfredo Micoloni, ironici e affiatati); il microcosmo per antonomasia, lo scompartimento di un treno che si fa scenario di un truce delitto ed ecco tutti gli ingredienti di un giallo che omaggia i tempi d’oro della radio. Nel libero adattamento di un testo di Ellery Queen, la regista Brunella Caputo offre in “Omicidio sul treno verso est” (di scena al Piccolo Teatro del Giullare l’11 e 12 gennaio rispettivamente alle 21 e alle 18.30) un radiodramma basato su di un vivissimo senso del gioco. Gli attori rompono da subilto l’illusione scenica, presentandosi nelle vesti di se stessi e assecondando con allegri movimenti negli intermezzi musicali il fascino assoluto del suono, che sia un brano di Armstrong o la capacità comunicativa della sola voce. Un sedicente professore, Marcel Dubois, lamenta la scomparsa di un rasoio dal lungo manico. L’oggetto non potrebbe essere ritrovato in luogo più macabro, dato che ricompare piantato nella schiena di George Latham,  un eccentrico viaggiatore che si rivelerà ladro di preziosi smeraldi alla cui caccia si lanciano le protagoniste. Il quadro dei sospetti è variegato: Lily Dodd, star del cinema sul viale del tramonto,  Henry Staels, all’apparenza l’uomo più tranquillo del mondo in luna di miele, tre strani figuri inseparabili dai nomi più falsi di Giuda come Smith, Jones e Brown. E su tutto incombe il sospetto che la vittima designata fosse un’altra. In quel libero esercizio dell’inttelligenza che è ogni racconto del mistero (punteggiato dalle luci e musiche di Virna Prescenzo), è il pubblico stesso a indicare movente e colpevole: una scelta coerente con l’impostazione dello spettacolo. Gli ascoltatori infatti percepiscono un piacere ancora maggiore del semplice spettatore, perché ogni parola, ogni informazione, può condurre fuori strada o contenere in sé la verità. Ne emerge un amore rinnovato per il testo, per la fluidità narrativa, per una suspense all’apparenza retrò ma di fatto moderna nel rafforzare quanto di meglio si possiede, ovvero le celluline grige, per dirla con Poirot. E non sfugge la natura sostanzialmente consolatoria del giallo, dove (almeno lì) la logica ha la meglio su tutto: lestofanti, bugiardi, assassini e miserie.

Al Verdi di Salerno “Il flauto magico” secondo l’Orchestra di Piazza Vittorio

Molto più di una rivisitazione. Quella che propone l’Orchestra di Piazza Vittorio al Teatro Verdi di Salerno dal 9 al 12 gennaio è una riscrittura saggiamente anarchica del capolavoro mozartiano, “Il flauto magico”. Sotto la direzione artistica e musicale di Mario Tronco, che ha curato l’elaborazione dell’opera con Leandro Piccioni, le melodie del compositore tedesco diventano spunto per un discorso più ampio, in cui le suggestioni musicali dell’originale si mescolano con brani dell’ensemble, trasformando l’allestimento in un viaggio tra il folk, il reggae, il jazz.  All’interno di un luogo volutamente indefinito i personaggi sono tratteggiati tenendo sistematicamente conto del contributo degli interpreti, come il Tamino di Ernesto Lopez Maturell, che esprime lo slancio verso l’ignoto attraverso ritmi cubani, o il mago Sarastro di Carlos Paz, artista che mostra una particolare sensibilità per i temi politici. Unendo la vivacità del racconto orale all’attenzione per una multiculturalità sempre capace di rinnovarsi e sorprendere,  lo spettacolo celebra la capacità della narrazione in musica di ramificarsi all’infinito, rimescolando le carte all’insegna di una rara energia performativa.

“Una stanza al buio”, la trappola delle parole

Non bisognerebbe mai abbassare la guardia. Il pericolo si annida nella più ordinaria delle situazioni, come permettere l’ingresso a una signora energica e ciarliera. In programma al Piccolo Teatro del Giullare di Salerno il 28 dicembre alle 21 e il 29 alle 18.30, “Una stanza al buio” di Giuseppe Manfridi, per la regia di Angelo Ruocco, vede l’amministratore di un condominio cedere alle pressioni di una sconosciuta in visita all’appartamento in cui si è consumato un omicidio, come mostra la sagoma in gesso sul proscenio. Nella finta noncuranza con cui perlustra ogni angolo, la visitatrice (Cinzia Ugatti in una delle sue interpretazioni migliori, capace di dominare la scena a ogni passo) mette a nudo ciò che si preferirebbe tacere, come le intemperanze sessuali della vittima (rivelate dalle voci di Mimma Virtuoso, Brunella Caputo, Alfredo Micoloni, autore anche delle musiche, in una videocassetta) e quel che l’uomo (un Matteo Amaturo che tratteggia con saggezza la propria fragilità) vorrebbe tenere per sè: le proprie velleità artistiche ridicolmente smentite dall’essere un marmista del cimitero, il bisogno di ordine che nasconde l’esigenza di fuggire da una vita di “soli pensieri”, il sentimento mai spento che lo legava alla donna dell’ucciso. Il gioco di luci di Virna Prescenzio  basta alla regia per evidenziare ciò che la stanza diventa inesorabilmente: una prigione in cui l’assedio verbale della donna costringe all’angolo l’interlocutore, fino a renderlo strumento di un piano diabolico. La sagoma di gesso è a suo modo una prefigurazione: in quella stanza si consuma un secondo omicidio, dato che il protagonista sarà costretto all’estremo sacrificio di sé. La pièce celebra il potere venefico delle parole, che si insinuano nella mente fino a soggiogarla e a farla piombare nella rovina proprio lì, dove tutto sembrava prevedibile e consueto.

Una strepitosa Gea Martire in “Mulignane

C’è poco da fare. “Un uomo che ti cerca e che ti pensa t’arravota sana sana”. Ma il prezzo per avere anche solo un briciolo della sua attenzione –e quindi esistere-  può essere davvero salato. Del tutto a suo agio con il surreale del quotidiano, Gea Martire ha strappato molti applausi a scena aperta alla platea del Piccolo Teatro del Giullare di Salerno con “Mulignane”, lo spettacolo tratto da un racconto di Francesca Prisco e diretto da Antonio Capuano. L’esilarante percorso da larva a bomba sexy, ovvero da vittima delle circostanze a donna consapevole della propria forza, sa trasformare una crudeltà sadica in occasione di divertimento grazie al carisma dell’interprete, abilissima nel dar corpo e voce a un “brutto anatroccolo” e agli altri personaggi che pretendono di conoscere, giudicare, colpevolizzare, compatire, quando in realtà ne condividono fino al parossismo gli aspetti grotteschi. Non è un caso che all’accensione delle luci, in una scena essenziale (abiti appesi sullo sfondo, un sedile al centro del palco), appaia di spalle in un atteggiamento dimesso, come se non importasse poi tanto guardare il suo viso (e la sua anima), così come non è casuale che lavori in un’agenzia pubblicitaria, dove l’apparenza è tutto e una scollatura generosa vale più di ogni professionalità. Mica facile sopravvivere al peccato più orrendo, la condizione di zitella. Attraverso una caustica esasperazione della mimica (i movimenti di un robot impacciato, la difficoltà nel mettere a fuoco, il rapporto contraddittorio con i propri desideri), la protagonista diviene cartina di tornasole della cattiva coscienza di chi si sente perfettamente integrato in un sistema di relazioni di cui è “indegna”: basterebbe pensare all’ingombramte madre, finalmente cacciata di casa mentre si appropria del più grosso dei vibratori gelosamente custoditi dalla figlia. Trasformarsi da “pietra grezza” in “diamante” provoca l’allontanamento del brutale amante che le regala le mulignane, ovvero i lividi, del titolo, insofferente della sua rinascita. Lo spettatore percepisce però l’aspetto disturbante di questo trionfo. Il mondo appartiene ai dominatori, a chi sa schiacciare gli altri sotto il proprio ego. Che questo sia dimostrato con una vis comica fuori dal comune non toglie nulla a un teorema inquietante. (foto di Adele Filomena)

Autori in gioco alla Festa delle Parole di Francesco Silvestri

Il primo comandamento per chi scrive un copione teatrale? Lavorare per sottrazione, attribuendo a un personaggio tratti riconoscibili che non lo appiattiscano. È quel che hanno fatto a Salerno sette giovani autori del laboratorio di scrittura drammaturgica di Francesco Silvestri, acclamato regista, scrittore e interprete. Alla Festa delle Parole tenutasi al Piccolo Teatro del Giullare per sostenere il progetto artistico di Vincenzo Albano, Teatrografie, in programma nel 2014, i partecipanti hanno letto gli uni i testi degli altri, mentre Silvestri, illustrandone le didascalie, ha guidato gli spettatori a coglierne atmosfere e contrasti. È emersa un’attenzione al grottesco, alla fragilità, allo straniamento. “Il giorno prima” di Brunella Caputo mostra due amanti occasionali alla vigilia delle nozze, combattuti tra il desiderio e il bisogno di aggrapparsi a un legame. In “6 agosto” di Angela D’Onofrio il menage di Concetta Margetti e Claude Eatherly, che andò incontro alla follia per aver sganciato la bomba su Hiroshima, evidenzia tutte le crepe di un falso equilibrio borghese, divorato da frustrazioni, rancori, deliri. Maria Sole Limodio ha invece offerto il ritratto di una Concetta abbagliata da Hollywood a causa di uno scaltro giornalista che vuol donarle la fama col nome di Etta Boom, senza sapere che di fatto mira a essere una merce esposta ai capricci del pubblico.“Patologie univoche” di Elvira Buonocore contrappone la follia dell’artista, cioè dell’uomo libero, rappresentata da William Burroughs, a quella che pretende di farsi strumento della razionalità, incarnata da Thomas Harvey, l’anatomopatologo che s’impossessò del cervello di Einstein. Nel testo di Ilaria Varriano, invece, si ha un irresistibile duetto comico tra Thomas e il cervello che si pavoneggia come una primadonna. I pochi minuti precedenti la mezzanotte del 19 settembre  1958 (che segna l’entrata in vigore della Legge Merlin) fanno da sfondo a “Paso doble” di Alfonso Tramontano Guerritore e a “La stanza dei miracoli”di Roberto Pappalardo. Nel primo, la telefonata tra una moglie e una prostituta si muta da curiosa amicizia in un cupo colpo di scena, attraverso una tensione che toglie il respiro. Nel secondo testo di Pappalardo il prete che vuole espiare con una donna di vita il mancato miracolo di San Gennaro, mentre questa a sua volta ottiene l’assoluzione, mescola con felice ambiguità un casto peccato e una purezza contaminata. Storie coinvolgenti con cui si cimenteranno gli allievi dell’Accademia Teatrale Clarence, tenuta a Modica dallo stesso Silvestri. (Foto:Adele Filomena).

Orazio Cerino in "Il fulmine nella terra"

Esistono macerie difficili da rimuovere: le aspettative di una generazione abbandonata alle proprie incertezze, per esempio. “Il fulmine nella terra. Irpinia 1980”, in scena oggi, 23 novembre, alle 19 presso l'Auditorium del Carcere Borbonico di Avellino, non è soltanto la ricostruzione di una vicenda che portò alla luce inefficienze e malafede (l’evento, a ingresso libero, è promosso dall’Associazione culturale “Orizzonti”, presieduta dal Dirigente Scolastico del Liceo "Colletta", il  professore Paolino Marotta, con il patrocinio della Provincia di Avellino). Il testo, scritto e diretto da Mirko Di Martino e interpretato da un appassionato Orazio Cerino, fa rivivere il clima degli anni Ottanta attraverso articoli, testimonianze e documenti originali per evidenziare come uno squarcio si sia aperto nel suolo e nella memoria collettiva, spazzando via i punti di riferimento di una parte della società che vive l’enorme fatica di interloquire con i giovani. La scelta del monologo appare del tutto coerente: l’attore che si muove a ritroso nel tempo rappresenta non solo il singolo che desidera riconoscersi in una collettività, ma anche il proposito di opporre la forza delle parole a un silenzio che preferisce seppellire le ferite invece che guarirle. Il vuoto della scena è la solitudine imposta da chi ha voluto dimenticare esigenze materiali e spirituali ed è quel vuoto che il corpo dell’interprete deve invadere e riempire con l’energia del linguaggio.

“Effetto C.C” di Francesco Silvestri al Giullare di Salerno

La nostalgia della normalità, la coscienza di come i sogni possano naufragare, le trappole della diversità sono al centro di “Effetto C.C.- Il topolino Crick”, lo spettacolo scritto, diretto e interpretato da Francesco Silvestri (nella foto di Adele Filomena) che sarà proposto in video proiezione, alla presenza dell’autore, il 14 novembre alle 21 presso il Piccolo Teatro del Giullare. L’iniziativa, che prevede un contributo volontario di 5 euro, nasce dalla collaborazione tra la struttura di Via Incagliati e l’associazione culturale Erre Teatro, in vista del sostegno a Teatrografie, il progetto ideato e diretto da Vincenzo Albano. Silvestri, tra i più affascinanti artisti della scena italiana (suo il Premio Ubu come miglior attore nella versione di “Sabato Domenica e Lunedì diretta nel 2002 da Toni Servillo), debuttò con quest’opera il 22 aprile 1987, riscuotendo un grande successo di pubblico e critica. Un chirurgo e uno psicoterapeuta si servono di Antonio Cafiero, un ritardato mentale, per un audace esperimento: aumentare notevolmente il quoziente intellettivo attraverso un’operazione, la stessa sorte toccata alla cavia Crick. Antonio è consumato dal desiderio di essere accettato e amato: non vuole più patire la solitudine di chi viene considerato sbagliato, fuori posto. Ma l’intelligenza è un dono avvelenato. È proprio l’animale a dimostrarlo per primo, assumendo un comportamento che oscilla tra aggressività e prostrazione. La durata dell’esperimento è limitata: l’uomo è destinato a regredire di nuovo, a perdere quella occasione di felicità che gli era stata prospettata come un saldo punto di approdo. Ecco allora che l’andirivieni della mente tra passato e futuro, la freddezza degli specialisti, la consapevolezza dell’esistenza come una prigione costellata da inganni fanno di “Effetto C.C” uno dei copioni più dolorosi e coinvolgenti su quella condizione inaggirabile che è la fragilità. La logica mostra incongruenze ed errori, la follia disarma nella sua innocenza, nella sua incapacità di filtrare le emozioni e addomesticarle. Lo stesso scrittore e attore racconta il suo rapporto con questa pièce che chiede moltissimo al suo interprete in “E poi sono morto. La drammaturgia non postuma di Francesco Silvestri”, la monografia che Albano gli ha dedicato: “Ricordo di non aver quasi mai provato il finale perché mi metteva di fronte ad una commozione che non riuscivo a trattenere. All’interno del testo ci sono delle cose che mi appartengono, che riguardano la mia infanzia. Parlarne mi fa battere il cuore.”.