Luca Trezza in “Trittico del mio byte”

Luca Trezza conosce molto bene i meccanismi dell’alienazione e della perdita. Sa descrivere come nessuno quel silenzio ostinato dell’anima che si impossessa di chi si muove nel delirio della sovraesposizione mediatica senza soddisfare realmente i propri desideri. Già in "wwww.testamento.eacapo" (I posto nella sezione Teatro del Festival della creatività di Roma Capitale 2013 ed attualmente finalista al Festival “Le voci dell’anima” 2014 di Gioia del Colle/Milano/Rimini) esaminava l’instabilità di un internauta. Stasera alle 21, presso il Piccolo Teatro del Giullare, l’artista salernitano tornerà nella sua città natale con “Trittico del mio byte”, lo spettacolo che segna il secondo appuntamento con la rassegna teatrale  “Per voce sola” - parole della nostra scena”, ideata e diretta da Vincenzo Albano. “Abbokkapertaa + Neo’.melo’.Diko. + Racconto di fine mese verso le 3e 1\2 della notte” costituiscono le tre tappe di un viaggio in una mente inquieta, che insegue senza sosta e senza successo un punto di riferimento che possa orientare nel caos di pensieri e urgenze emotive. Nella prima parte dello spettacolo la perdita di una madre è anche perdita del proprio mondo interiore: la desolazione di scoprirsi soli si carica di fortissima tensione, mentre il contesto in cui il protagonista si muove non sembra essere più rassicurante. I sogni di gloria di un cantante neomelodico in America, che si intrattiene con un impresario, una nonna, una ragazzina, diventano bilancio destabilizzante in “Neo’.melo’.Diko”, mentre la conclusione della messinscena vede protagonista un anziano, affetto da “arteriosclerosi digitale” alle prese con il racconto delle proprie vicende. La narrazione non ha tuttavia la funzione di un esorcismo, di una liberazione: inchioda chi racconta alle proprie nevrosi, a ciò che di irrisolto torna di continuo ad assediarlo. Una pièce simile non può non avere la struttura di un monologo, in cui il personaggio resta solo a considerare ciò che è stato e ciò che avrebbe potuto cambiare le carte in tavola. Lo stesso Trezza illustra il movente di un’operazione così complessa: “Un modo per dire di sé attraverso il battere di un cuore fatto come un byte, per far rivivere in questo altrove chi non c’è più, per stare noi stretti stretti, vicini, mentre questa guerra moderna di chiamate, sms, trilli e post di bacheche virtuali ci invade. A noi non resta che pregare, invocare, delirando una preghiera per questi aggeggi moderni come madonne contemporanee, pieni di arcani e di suggestioni”

Orazio Cerino in “Condannato a morte. The punk version”

Morire prima della morte è una crudele prerogativa di chi è destinato alla pena capitale. Lo si osserva come se fosse già nella bara, come se la meta fosse stata raggiunta nonostante il viaggio sia ancora in atto.  E allora esplode la rabbia di chi non si rassegna a un copione scritto da altri. Orazio Cerino è l’appassionato protagonista di “Condannato a morte. The punk version”, audace ripensamento de “L’ultimo giorno di un condannato a morte”, pubblicato da Victor Hugo nel 1829, in scena il 3 ottobre alle 21 presso l’antica Ramiera di Giffoni Valle Piana e in replica dal 10 al 12 ottobre presso il Teatro Il Primo di Napoli. Davide Sacco cura la regia, Luigi Sacco la scenografia, Clelia Bove i costumi, mentre le musiche sono eseguite dal vivo da Martina Angelucci e le luci portano la firma di Francesco Barbera. Patrocinata da Amnesty International e dal Giffoni Film Festival, la messinscena è volutamente scarna (uno spazio spoglio che riecheggia la solitudine del protagonista), perché dinanzi alla fine gesti, pensieri, memorie non possono che mostrarsi in tutta la loro straniante nudità. Cerino chiama in causa gli spettatori, seduti ai bordi del luogo in cui si muove, rendendoli di volta in volta carcerieri, confidenti, testimoni dello scontro più cupo che si possa combattere: quello contro una repressione ammantata di rettitudine. Il condannato formula a sua volta una condanna: il sistema che annienta all’ombra di una morale cieca uccide se stesso. Il corpo riscopre una sua sacralità, a dispetto di tutti i codici a guardia di istinti e pulsioni.

“Dissonorata”, la fatica di essere donna

Esistono molti modi di costruire una prigione: inchiodare alla propria (imperdonabile) diversità biologica, per esempio. Non si sconta mai abbastanza la colpa di essere donna in “Dissonorata”, lo spettacolo scritto, diretto e interpretato da Saverio La Ruina, che ha aperto con successo presso il Teatro del Giullare di Salerno “Per voce sola”, la rassegna a cura dell’associazione Erre Teatro di Vincenzo Albano. La messinscena, che trova un’eco raffinata e dolente nelle musiche originali eseguite dal vivo da Gianfranco De Franco, trae forza da una nudità che è crudeltà e urgenza di raccontare per dare voce a chi non può esprimersi. La scelta di porre al centro della scena solo una sedia dove il regista è Pasqualina, vittima della cecità altrui prima ancora che della propria, esprime la claustrofobia di un personaggio condannato al disprezzo e alla solitudine e al tempo stesso, in quell’isolamento che toglie il fiato, conduce memorie, sensazioni, desideri ad avere finalmente il diritto di esistere. Non è casuale che la vicenda venga narrata a ritroso: a chi ha la sventura di nascere femmina è negata una prospettiva nella Calabria a dir poco primitiva che scandisce il tempo tra i campi, il bestiame e la volontà degli uomini. Che sia poi un uomo a impersonare la protagonista diviene naturale: in questo mondo geloso dei propri riti, la dimensione femminile non può che essere filtrata attraverso l’ottica maschile, la sola che conti, e La Ruina non potrebbe essere più autentico nel creare una ragazza che sogna le nozze, l’unico passaporto per una vita vera. Quando le luci si accendono, il corpo oscilla come sotto il peso di un’amarezza che si può solo respirare e che si fa fatica a comunicare: si avverte tutto il peso di un condizionamento inaggirabile, tanto da avere la sensazione che mille occhi osservino alle sue spalle per schiacciare sotto il proprio giudizio. La corposità del dialetto calabrese permette di restituire ogni cosa alla sua essenza con una limpidezza che stordisce. La voce dell’artista è straordinariamente duttile nell’oscillare tra angoscia, trepidazione, ironica concretezza. La più antica delle storie (una ragazza incinta abbandonata dal suo amante) si carica di una tensione altissima: il fratello le dà fuoco, ma lei riesce a partorire Saverio in una stalla, proprio nel giorno di Natale, al cospetto di un cane e di un maiale. Questa nascita, che si carica di sospensione magica, allude alla sacralità laica dell’esistenza, al suo valore che pulsa e si fa strada in quella cappa di piombo che è l’odio per ciò che osa essere diverso. Lo sguardo di Pasqualina resterà fisso al suolo, come si chiede a una donna dabbene, sulle note beffarde di “Gracias a la vida”. Eppure il miracolo si è compiuto: ha lasciato, malgrado tutto, una traccia di sé.

"Close Up Medea", il dissidio tra corpo e anima

“Me ne intendo di si”, dice il dottore che crede di avere nelle proprie mani la donna che gli sta di fronte. Ma non si può chiedere alla principessa della Colchide di rinnegare se stessa e ciò che è scritto nella carne torna a sconvolgere ogni punto di riferimento. “Close Up Medea” è lo spettacolo che Teatrazione Teatro ha proposto con successo all’Arco Catalano Fest di Salerno. Ispirata liberamente al “Purgatorio” di Ariel Dorfman, la messinscena è costruita su di una corporeità che si fa eco di quel che si vorrebbe cancellare: l’impossibilità di concepirsi separati da ciò che ha mutato per sempre un percorso, il desiderio di protendersi in un altrove da riscrivere, un amore malato per quel che è stato distrutto ma sopravvive nel ricordo. Molto più di una follia a due. Giasone e Medea sono di volta in volta se stessi e i propri medici, rivolti a una redenzione che non si concretizzerà mai (un Igor Canto che oscilla sagacemente tra flemma e fragilità e una Cristina Recupito cosi intensa da lasciare interdetti) non perché l’identità sia quanto mai labile, ma perché passato e presente, azione e resa dei conti sono solo i nomi da dare al rapporto irrisolvibile con ciò che si è stati e si potrebbe essere. Quando all’inizio della pièce i due emergono da un drappo rosso come da una crisalide e si allontanano solo all’apparenza, uniti da esso, che ha il colore della vita e del sangue, esprimono quella prigione inviolabile che è l’io, costretto a contemplarsi e rivivere nell’altro. È in quel drappo che viene avvolta colei che ha osato divenire tomba dei suoi figli e a lei viene consegnato il pugnale dell’uccisione: il ricatto che inchioda il colpevole alla colpa per manipolarlo meglio. La piccola telecamera che filma gli incontri allude a una logica superiore in cui inquadrare la vicenda, ma è solo l’ennesimo inganno di chi si creda superiore alle pulsioni e all’irrazionale. “Non saprei dove andare”, dicono i personaggi vestiti da medici, come a dire che non si può guardare dall’alto la forza oscura del desiderio e della distruzione, ma solo lasciarsi attraversare da essa. E quando Medea contempla con una tenerezza dolente la stoffa rossa (la vita persa eppure presente) e i due tornano a distendersi al suolo sulle note di “Cu te li dissi” d Rosa Balistrieri,  leit-motiv di quel che non è possibile dimenticare, il bisogno ancestrale di perdersi in chi è di fronte inghiotte tutto e il corpo dell’uno si fa confine e orizzonte del corpo dell’altro.

Per voce sola, la nuova rassegna di Erre Teatro

È ancora il banco di prova più insidioso per un interprete. Il monologo è il momento in cui chi si consacra al palcoscenico non deve temere di dare tutto di sé e proprio su esso è costruita “Per voce sola-Parole della nostra scena”, la rassegna attuata dalla Erre Teatro di Vincenzo Albano che guarda ai fermenti della moderna dimensione teatrale e al coinvolgimento delle energie del territorio salernitano. Gli spettacoli si terranno presso il Piccolo Teatro del Giullare di Salerno e a fare da apripista sarà, il 26 settembre, “Dissonorata- Un delitto d’onore in Calabria”, scritto, diretto e interpretato da Saverio La Ruina con musiche originali eseguite dal vivo da Gianfranco De Franco. Reduce da numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio UBU 2007 per il Migliore Attore e Migliore Testo Italiano, l’artista descrive un contesto solo all’apparenza lontano, in cui la donna non ha diritto di essere e di ascoltare se stessa, mescolando amarezza e ironia. Il 3 ottobre sarà la volta di “Trittico del mio byte” di Luca Trezza, articolato in “Abbakkoapertaà”, in cui la perdita di una madre è anche perdita del proprio mondo interiore, “Neo’ melo’ Diko”, dove i sogni di gloria di un cantante neomelodico in America diventano bilancio destabilizzante, “Racconto di fine mese verso le 3 e1\2della notte”, che vede protagonista un anziano, affetto da “arteriosclerosi digitale” alle prese con il racconto delle proprie vicende. Le tre stagioni della vita sono altrettanti tentativi di riconoscersi in un mondo che antepone la conoscenza virtuale a quella dell’anima. Mimmo Borrelli, tra i più importanti drammaturghi contemporanei, terrà inoltre un laboratorio intensivo sul monologo,“La grammatica messa in corpo dell’attore” dal 20 al 22 ottobre, dalle 14 alle 20, al costo di 120 euro, per un numero massimo di 15 allievi, che potranno inviare i loro dati a erreteatro.info@gmail.com. Il 24 ottobre è prevista la messinscena di “Cante e schiante”, dove lo stesso Borrelli, accompagnato dalle musiche di Antonio Della Ragione, porterà alla luce tutta la turbolenta intensità di Torregaveta e dei Campi Flegrei, un luogo riconoscibile e al tempo stesso defornato dall’urgenza di mescolare il buio e la luce. Il solo spettacolo che si terrà al Centro Sociale di Via Cantarella il 17 ottobre sarà “La merda” di Cristian Ceresoli, con Silvia Gallerano, dove tre tempi, Le Cosce, Il Cazzo, La Fama e un controtempo, L’Italia, sono vissuti da una donna che racconta nel modo più impudico l’oscenità di un tempo che ha deciso di essere sepolto dalla propria incongruenza.

Tra classico e contemporaneo, la nuova stagione del Ghirelli

Attenzione ai classici e alla drammaturgia contemporanea. Su queste due direttive si muove la nuova stagione del Teatro Antonio Ghirelli di Salerno. Si inizia il 23 ottobre con l’eduardiano “Dolore sotto chiave”, per la regia di Francesco Saponaro con Tony Laudadio, in cui le voci dell’omonimo radiodramma Rai del 1958 amplieranno il fascino di una storia nera, dove il lutto nasconde verità scomode. Iaia Forte sarà regista e interprete di “Hanno tutti ragione” (13-16 novembre), tratto dall’omonimo libro di Paolo Sorrentino, esplorando contraddizioni e urgenze di un personaggio fuori dagli schemi come il cantante cocainomane Tony Pagoda, mentre i Virtuosi di San Martino proporranno “La repubblica di salotto” (27-30 novembre), affresco crudelmente sarcastico (e dunque più che mai veritiero) dell’Italia di oggi. Nei giorni 2, 3, 4, 7, 9, 10, 16, e 17 dicembre andrà in scena “Wrong play, my Lord o The Mousetrap”, spettacolo in lingua inglese tratto dall’”Amleto” di Shakespeare con Arturo Muselli e Alessio Sica diretti da Ludovica Rambelli, rivisitazione accattivante di un classico a cui è conferito il ritmo instancabile dell’inventiva. “Un anno dopo”, scritto e diretto da Tony Laudadio, vicenda di due colleghi di lavoro che non possono non riconoscersi l’uno nell’altro nonostante i contrasti, sarà in programma dal 27 al 30 dicembre, mentre dal 15 al 18 gennaio 2015 sarà la volta di “Due passi sono” della Compagnia Carullo-Minasi, che racconta, secondo un’ottica grottesca, l’oscillare tra costrizione e libertà e ha vinto, tra l’altro, il Premio Scenario per Ustica 2011. L’operetta dark “L’anima buona di Lucignolo” (19-22 febbraio), dove il circo riflette falsità e ambizioni di ogni cuore, si avvarrà della regia di Luca Saccoia; Licia Maglietta dirigerà se stessa in “Manca  solo la domenica” (5-8 marzo) da “Pazza è la luna” di Silvana Grasso. Qui la finta vedova di sei sconosciuti ricostruisce a proprio piacere quella vita di affetti che le è di fatto preclusa. Cesar Brie dirigerà Gianfranco Berardi e Gabriella Casolari nello spettacolo “In fondo agli occhi” (26-29 marzo), che fa della cecità la metafora di una società senza prospettive. Sonia Bergamasco, che ha ricevuto nel 2012 il Premio della Critica come migliore attrice, sarà diretta da Giuseppe Bertolucci in “Karenina, prove aperte d’infelicità”, dal 9 al 12 aprile: la genesi del capolavoro di Tolstoj diviene teatro dell’anima. Sarà possibile usufruire della tipologia di abbonamento 10+1, in cui l’undicesima rappresentazione è a scelta dell’abbonato tra gli eventi fuori abbonamento. Avrà luogo inoltre la rassegna Exp(l)o, che punterà l’attenzione sulle realtà artistiche campane, con “Antigone-una guerra civile” diretta da Mirko de Martino (23-25 gennaio), dove la celebre eroina si trasforma in una fascista, “Matrimoro” per la regia di Adriana Follieri (6-8 febbraio), che fa di Caino e Abele il mezzo per osservare la natura umana, “Apnea” di Maria Teresa Ingino in data da stabilirsi sulla liberazione dal dolore del corpo, “I posteggiatori tristi” che pongono il repertorio musicale napoletano al centro di un gioco brioso (12-15 febbraio), “Scapezzo” di e con Nicola Vicidomini (13-15 marzo) dove il fallimento coincide col divertimento, “La femme acephale” da Jacques Prevert nella drammaturgia e regia di Libero de Martino con Cinzia Annunziata, grande prova interpretativa per un racconto tutto giocato sulla follia. Le iniziative collaterali alla manifestazione saranno inoltre “Cinema tra reale e teatrale”, in cui Antonella Nocera con Parallelo 41 indagheranno assonanze e divergenze tra forme espressive diverse, “Erasmusica” a cura di Ambra Sorrentino, volta a una rivisitazione in chiave moderna dell’opera lirica e del teatro musicale, “Un fiume in jazz”, che sotto l’egida di Stefano Giuliani porterà alla ribalta i professionisti campani del jazz e “Femminile palestinese”, che, a cura di Maria Rosaria Greco, avrà per oggetto le suggestioni e le immagine di una realtà estremamente complessa.

“Vite in pericolo”, l’omaggio al gioco e al teatro di Pippo Montedoro

Che uno scrittore dia prova di uno stile piacevole non è cosa poi così rara. È invece un’eccezione che quella piacevolezza nasca da sensazioni che mostrano l’aspetto sorprendente dell’assodato e da un’ironia a suo modo aristocratica, ma ben distante dalla saccenza e dall’autocompiacimento. È quello che sperimenta il lettore di “Vite in pericolo” di Pippo Montedoro edito da Qanat. I racconti sospesi tra memorie e fantasie s’insinuano con leggerezza (una leggerezza gravida di colori e sapori che si ritrova nella prefazione di Salvo Piparo) e di colpo il mondo di Montedoro diventa il nostro, che sia la cella dell’Ucciardone, la Vucciria o un bosco in cui non ha più senso distinguere l’animale dall’umano. L’autore ama definirsi goloso ed estende questa caratteristica al suo lessico colto e carnale. Le parole sono in effetti scelte con autentica golosità, desiderate per la loro concretezza e spesso per la loro dolcezza, si offrono agli occhi e al palato con una fisicità spudorata. C’è il rischio di non guardare mai più con gli stessi occhi la flanella dopo la descrizione erotica che il libro ci regala in uno dei molti pezzi di bravura. Ciò che unisce le parti dell’opera è la passione per il gioco, concepito come sovvertimento, urgenza di riscrivere ciò che si vorrebbe fissato definitivamente. I protagonisti di “A.D. duemilaventisette – sorrisi” giocano con l’immagine stereotipata che gli altri hanno (quando ce l’hanno) di loro; in “Sentimenti senza quartiere” si gioca con l’avidità di pusher stranieri; in “buon Vino a cattivo Gioco” il viviri (vivere) dipende dal giusto rapporto col viviri (bere); in “1973, Ucciardone - lectio elegantiae” i legami inattesi della reclusione mandano a gambe all’aria il modo perbenista di creare relazioni. In “non ci pensare, Lazzaro” la posta è il desiderio irrealizzato. “Ready Made” deride nella sua lapidarietà la vita equilibrata, “Fiato” spiazza di continuo la percezione di chi legge, “E il ritorno lo faceva a piedi” prende di mira il genere fantasy e la pretesa di riscattarsi dai propri limiti.  Il gioco pervade anche l’appendice, “Il pallore d’Achille”. In “Quistiuni” le domande al Piè Veloce rivelano, tra assonanze e paranomasie, l’ostilità verso la superbia del potere. La “pulita” coscienza borghese è sarcasticamente punita in “Fine (sceneggiatura per video fasullo)”, mentre l’esaudirsi di una volontà porta a uno pseudo-trionfo beffardo in “Le richieste di Felice”. “Di Eos molto presto” illustra l’alto prezzo da pagare per l’estinzione del genere femminile sul piano mitologico, mitopoietico, sociologico. Si ha poi la sintesi in dieci parole di principio e fine in “Serata (romanzo completo)” e i problemi striscianti, ma non irrilevanti di una lumaca  in “Chi va piano… No, Ah?!”. E se la convenzione in tutti i suoi volti è il bersaglio dello scrittore, ben si comprende l’uso ossessivo della virgola interrogativa, che imprime all’andatura della frase un ritmo del tutto autonomo. “Vite in pericolo” è però anche un atto d’amore indiscusso per il teatro, come mostra “Colonia penale e altre fragranze”, che rievoca i fasti della compagnia Curò, tra i cui fondatori c’è il Nostro, attiva a Palermo e non solo nella felice e contestatissima stagione degli anni Settanta, vivi nel bianco e nero ammaliante delle foto di Letizia Battaglia. Allora era vitale che il palcoscenico si spingesse oltre se stesso, che l’azione scenica divenisse un campo di forze pronte a fare a pezzi qualunque gerarchia mentale e fisica, che il nonsenso si tramutasse in possibilità di senso da condividere e magari calpestare con gli spettatori. Quella di Curò era una lotta senza respiro contro l’acquiescenza al sistema, un inno all’inventiva, un oltraggio a quelle prigioni che sono le categorie, una riflessione a briglia sciolta sull’ambiguità volutamente irrisolta di ruolo, luogo, parola. Montedoro resta uomo di teatro anche nella scrittura. Lo evidenzia la costruzione della tensione, la cura riservata alla mimica dei personaggi, il rapporto quanto mai duttile col tempo della narrazione. E se, come recita la frase di Piero Ciampi citata nel testo, “Il corpo è un sublime/atroce porco”, la materialità imperfetta, evocativa e seducente di questo volume è la migliore risposta a ogni forma di ottusità.