Salerno, il programma del Teatro Verdi

Aprirà i battenti il 17 ottobre con una delle opere più pessimiste del 900 la stagione 2013/2014 del Teatro Verdi di Salerno. Regista e interprete de “Le voci di dentro”, Toni Servillo renderà omaggio a Eduardo nell’amara analisi dell’egoismo, smascherato da pulsioni inconsce che aprono crepe nel muro della normalità.  Il 2 e 3 novembre Pippo Delbono esplorerà la linea sottile che divide la finzione dalla realtà in “Orchidee”.In “Servo per due” (7-10 novembre) Pierfrancesco Favino e i 23 attori del gruppo Danny Rose offriranno una spumeggiante versione anni 30 dell’”Arlecchino servitore di due padroni”. Pierpaolo Sepe dirigerà Maria Paiato nella “Medea” di Seneca (14-17 novembre). L’Orchestra di Piazza Vittorio (9-12 gennaio 2014) renderà “Il flauto magico” di Mozart oggetto di contaminazione tra le più diverse espressioni musicali, mentre Angela Finocchiaro e Maria Amelia Monti, ne “La scena” di Cristina Comencini (23-26 gennaio2014), saranno costrette da un copione e dall’intrusione di un giovane a fare i conti con le loro ansie e aspirazioni. Luca Barbareschi (qui anche regista) e Filippo Dini interpreteranno “Il discorso del re” (30 gennaio-2 febbraio 2014). Nello spettacolo creato con Francesco Nicolini, “Itis Galileo”, (13-16 febbraio 2014) Marco Paolini coinvolgerà gli spettatori nel legame sempre problematico tra razionalità e irrazionalità e Giampiero Ingrassia si misurerà con un capolavoro incontrastato della cinematografia, “Frankestein junior” di Mel Brooks (27 febbraio-2 marzo 2014) dove Saverio Marconi e Marco Iacomelli si rifaranno alla regia e alle coreografie originali di Susan Stroman. In “Paolo Borsellino Essendo Stato” di Ruggero Cappuccio (8 marzo), le cinque Antigoni accanto all’eroe in procinto di morire (non potrebbero essere che Antigoni, è in gioco la giustizia) esprimono la calda energia della terra siciliana in un controcanto appassionato alle riflessioni del personaggio. In “Penso che un sogno così…” (13-16 marzo) Giampiero Solari dirigerà Beppe Fiorello nell’interpretazione delle più belle canzoni di Modugno. Tra il 21 e il 23 marzo sarà proposta la versione delle “Operette Morali” allestita da Mario Martone, che vedrà in campo, tra gli altri, Renato Carpentieri e Paolo Graziosi. “Erano tutti miei figli” di Arthur Miller andrà in scena dal 27 al 30 marzo per la regia di Giuseppe Dipasquale: Mariano Rigillo e Anna Teresa Rossini daranno vita a una storia di dolore e di illusioni.

Salerno, la ricca stagione del Teatro Ghirelli

La stagione 2013/ 2014 del Teatro Ghirelli d Salerno, in sinergia con la Sala Assoli a Napoli, si presenta estremamente eterogenea.Si inizia il 10 ottobre con il beckettiano “Giorni felici”, dove Nicoletta Braschi e Roberto De Francesco, diretti da Andrea Renzi, daranno anima e corpo a una donna sepolta (letteralmente, perché immersa nella sabbia) nella propria vita. Dal 15 al 20 ottobre Renato Carpentieri dirigerà se stesso in “Fuori”, tratto da “À la porte” di Vincent Delacroix, dove la passeggiata di un filosofo rimasto incautamente fuori casa diventa occasione per riflettere sull’esistenza. Fausto Russo Alesi (24 - 27 ottobre 2013) interpreterà tutti i personaggi di “Natale in casa Cupiello”. Il Teatro Verdi accoglierà il 2 e 3 novembre “Dopo la battaglia” di Pippo Delbono, ricerca appassionata della bellezza e della libertà, mentre il “Titanic” ideato e diretto da Antonio Neiwiller in una visione di Salvatore Cantalupo andrà in scena dal 21 al 24 novembre. La feroce tendenza alla competizione sarà al centro de “La fila” di Israel Horowitz a cura di Walter Le Moli (19 - 22 dicembre), mentre Pierpaolo Sepe dirigerà Benedetto Casillo in “Sik Sik l’artefice magico” (15 - 19 gennaio) in cui emerge appieno il disagio dell’uomo del 900. Roberto Herlitzka e Marina Sorrenti interpreteranno “Il soccombente ovvero il mistero di Glenn Gould” nella riduzione di Ruggero Cappuccio per la regia di Nadia Baldi (30 gennaio - 2 febbraio). Enzo Moscato sarà regista e protagonista di “Napoli 43” (6 - 9 febbraio) e a Laura Angiulli spetterà la regia de “Il baciamano” di Manlio Santanelli con Alessandra D’Elia e Stefano Jotti. Le “Operette morali” dirette da Mario Martone saranno proposte presso il Massimo cittadino dal 21 al 23 marzo e il regista Carlo Cerciello presenterà “La madre” di Bertolt Brecht, una storia che sembra solo all’apparenza lontana. Il programma della Sala Assoli a Napoli, che comprende numerosi spettacoli destinati al Ghirelli, prevede (29 novembre - 1 dicembre) la “Medea” di Seneca con Maria Paiato e la regia di Pierpaolo Sepe, “La notte di Scrooge” di Marco Mario De Notaris (26 - 29 dicembre) e “Rose is a rose is a rose is a rose” di Ivana Sajko, con Sabrina Jorio e la regia di Tommaso Tuzzoli, dove gli inganni e i miraggi della memoria conducono a un insopprimibile bisogno d’amore. Debutterà il 27 febbraio “Il senso nascosto” di Fortunato Calvino; il 13 e il 25 marzo sarà la volta del “Pinocchio” prodotto da Babilonia Teatri e di “Patria puttana” di e con Enzo Moscato.

Nocera Inferiore, si alza il sipario su “Il baciamano”

Vittima e carnefice non sono ruoli statici. Nonostante tutto l’uno può aprire all’altra, per un lungo attimo, prospettive inimmaginate che li avvicinano. Annarita Vitolo e Vincenzo Albano offrono un’interpretazione intensissima ne “Il baciamano” di Manlio Santanelli, che Antonio Grimaldi dirigerà il 3 agosto alle 21 al Castello Fienga di Nocera Inferiore nell’ambito della manifestazione Centrale dell’Arte. Janara è prigioniera di uno scenario di miseria e violenza, tra il pianto dei bambini e le percosse del marito, mentre fuori si consuma il fallimento della rivoluzione del 1799. Legato accanto a lei c’è un giacobino destinato a essere ucciso e divorato. Beffarda e aggressiva, la donna non ha alcun motivo per riservargli un briciolo di umanità, eppure i suoi discorsi, che si ostinano a contrapporre la logica all’istinto, si fanno strada dentro di lei, la costringono a percepirsi come persona, affascinata da un gesto semplice e aristocratico: il baciamano, appunto. Il linguagggio di Janara non può non essere quello della sopraffazione: anche la fiaba che narra riflette questo stato di cose e l’uso delle maschere con volti di animale personifica la pulsione a cibarsi del corpo e dell’anima altrui. Eppure, in una narrazione che ha i suoi momenti di umorismo nero (il giacobino vuole essere tassativamente cucinato in salsa francese), i protagonisti danno vita alla messinscena del cortese omagggio come a un gioco che cancelli, almeno per un istante, ogni inquietudine. L’ansia infantile della felicità, la scaltrezza della vittima che cerca una via di fuga, l’illusione del potere salvifico della rappresentazione si mescolano in attesa del cupo finale. Quello a cui si assiste è in fondo un omicidio-suicidio: è la speranza stessa di una vita migliore a essere ammazzata e non resta che rimanere soli a sognare l’impossibile. Di rado il desiderio ha mostrato un volto così crudele.

La Medea di De Rosa, un’anima allo specchio

L’allegria di un matrimonio è bruscamente interrotta da una donna vestita di nero. Gli invitati si spogliano dei loro abiti e si stendono in terra tra cuscini, orinali e sgabelli. Non è solo il dormitorio di un manicomio, è una condizione della mente in cui i fantasmi prendono di continuo vita. In “Medea-il sogno”, la riscrittura del capolavoro euripideo da parte del regista Antonello De Rosa proposta a Salerno al Complesso di Santa Sofia, è l’anima buia della principessa della Colchide il vero palcoscenico. Donna, maga, straniera: la protagonista è la diversità per antonomasia, una diversità che si sconta con l’emarginazione di cui l’ospedale psichiatrico è la massima espressione. Quando però la mente si spinge oltre tutti i limiti, diventa ostaggio di se stessa. I compagni di reclusione (Marianna Boffardi, Martina Bruno, Mirella Costabile, Lucia D’Aiutolo, Cesare D’Arco, Gerardo De Luca, Rossella De Martino, Claudia Di Cresce, Lucia Falciano, Gina Ferri, Bruna Fontana, Simona Fredella, Daniela Guercio, Enrica Lipilini, Camilla La Corte, Carla Lordi, Mary Mazziotti, Sonia Mingo, Giusy Mitrano, Umberto Notini, Caterina Salerno, Valeria Santoro, Pietro Sellitto, Vittorio Stasi, Alessandro Tedesco, Gerardo Trezza, Silvana Vitale, Veronica e Francesco Vallone) diventano di volta in volta carnefici e immagini di Giasone, Creonte, Creusa, della stessa Medea (un’appassionata Patrizia Capacchione). La donna ripudiata è al tempo stesso oggetto di persecuzione e di identificazione, perché tutti i personaggi riflettono lo stesso tormento e desiderio. Sono se stessi e altro in un continuo gioco di specchi. L’unica figura che non a caso rimane uguale a se stessa, oltre alla sua protetta, è la nutrice (una Margherita Rago pienamente consapevole del proprio ruolo), una sorta di super-io che cerca di tenere a freno le tensioni incarnate da chi l’attornia. È lei a interrompere con violenza le nozze di Medea all’inizio della rappresentazione, perché da esse non verrà che male. Ma esiste una fatalità delle emozioni. In un accorto gioco di simmetrie e contrasti (i letti di Creusa e Medea uno di fronte all’altro, perché entrambe prede di Giasone; la lampadina sfiorata a ricordo di una gloria ormai persa; gli uomini che si avventano sull’assassina al pari delle donne che attaccano l’”eroe” greco, il telo nero che inghiotte in una luce sanguigna il delitto dei figli per esorcizzare invano ciò che non si cancella), Medea si risveglia e si appresta a celebrare le sue nozze. Eros e Thanatos continuano a inseguirsi, per sempre, nello stesso rituale malato.

Successo a Salerno per “L’avara vedova”

Guai a rinfacciarle la sua taccagneria o a mostrarle in qualche modo lealtà: vi trovereste di fronte una furia, con irresistibili effetti comici. In “L’avara vedova”, la rivisitazione in napoletano dell’”Avaro” di Molière andata in scena al Complesso di Santa Sofia a Salerno, il regista Antonello De Rosa ha optato per un rapporto giocoso con la celebre commedia, divenuta di fatto poco più di un pretesto per la performance di un affiatato cast. A dominare la scena nei panni della vedova di Arpagone è Giovanni Pisacane: l’interpretazione en travesti strizza l’occhio all’universalità dei vizi umani, sempre deleteri al di là del sesso di chi li esercita. Il gusto della battuta salace e la recitazione buffamente sopra le righe coinvolgono il pubblico nella inesorabile riscossa ai danni della protagonista, così felicemente rinchiusa nella propria aridità da essere distante anche da un punto di vista cromatico dalla due coppie di giovani desiderose di convolare a liete nozze (Simona Fredella, Rossella De Martino, Fiorenzo Pierro, Nicola Palladino) che, in sgargianti abiti che ricordano la moda hippie, difendono il proprio amore sulle note della colonna sonora del “Tempo delle mele” in una mescolanza di richiami e allusioni coerenti con la dimensione ludica dello spettacolo. Al brio della narrazione contribuiscono Alessandro Tedesco (un’Onoria materna e accattivante), Gina Ferri (saggia e benevola madre dei due ragazzi) e Tonia Filomena (omaggio vivente alla donna ruffiana).

La vita al guinzaglio del “Soldato Woyzeck”

La virtù? Roba da signori, da persone tranquillamente inserite nel sistema, non certo alla portata di un proletario che deve quasi chiedere scusa di essere vivo. Crudele come una rasoiata, il “Soldato Woyzeck” diretto e interpretato da Monica Maiorino secondo il libero adattamento di di Aniello Nigro dell’opera di Buchner, è stato applaudito al Complesso di Santa Sofia a Salerno nel corso della IV edizione de “Il gioco serio del teatro”, la rassegna curata da Antonello De Rosa. L’umiliato e offeso protagonista (un Aldo De Martino che è perfetta immagine della fatica di vivere) non è semplicemente la nota stonata della società, ma riflesso della sua tendenza a reggere al guinzaglio le vite altrui, che sia il militare compiaciuto della sua arrogante virilità (Geremia Longobardo), il medico perso nelle sue opprimenti e fatue analisi (Eduardo Ricciardelli) o la moglie di Woyzeck, oggetto di desiderio (imprigionata in un lungo scialle che ne blocca i movimenti), ma mai vera padrona della sua esistenza. Nell’assecondare il carattere frammentario dell’opera e la fragilità espressa dalla figura principale, l’allestimento si basa su uno scambio di piani temporali in cui i comprimari si mostrano spesso come ombre dietro uno schermo (divenendo così a loro volta stati d’animo mai pacificati dell’uomo) e su di un simbolismo di grande immediatezza (il baule in cui si trova il figlio del soldato, sua unica ricchezza; il cappio attorno al suo collo; i commilitoni presentati come fantocci). La natura bruta ha diritto di essere se stessa, la vittima del sistema no. E l’alba della vera liberazione resta il sogno di un morente.

Marina Abramovic, quando il corpo diventa arte

Il lavoro di Marina Abramovic si può definire come una spiazzante drammatizzazione del corpo. Attraverso la sua persona, l’artista montenegrina rivela le dinamiche sotterranee di un contesto, costringe chi l’osserva a far parte di un processo iniziatico in cui il rimosso, le pulsioni scomode, le esigenze taciute ritrovano vita. Nel film di Matthew Akers  “Marina Abramovic. The artist is present”, proiettato alla Galleria Verrengia di Salerno al 54° appuntamento con il progetto di Stefania Zuliani “Arte di sera”, nell’ambito dell’iniziativa della Fondazione Menna Extra Moenia, dove si narra il il backstage della retrospettiva dedicatale nel 2010 presso il Moma, la protagonista rimane su una sedia osservando silenziosamente i visitatori seduti uno alla volta dinanzi a lei per ben 716 ore. Al grado zero dell’azione, il corpo diventa palcoscenico del suo spettatore, lo accoglie in una dimensione fuori dal tempo, inducendolo a riconoscersi nella donna che pazientemente lo pone al centro di tutto, percependo senza filtri il potenziale espressivo di un dialogo muto. I confini tra dentro e fuori, tra oggetto e soggetto tendono lentamente ad assottigliarsi. E in quel silenzio la soggettività non è forse mai stata così libera.