Le suggestioni di Erri De Luca

È allergico alla retorica, ma fa avvertire sulla pelle il dolce peso di un ricordo. Odia le maschere che la violenza costruisce per legittimarsi (“La divinità non può perdonare chi giura il falso in suo nome, come chi giura di uccidere per ordine di Dio”), ma non ama salire in cattedra. Pensa alla scrittura come a un “tempo festivo”, un modo per farsi compagnia e ricorda con devoto affetto Izet Sarajilic, “maestro di fedeltà amorosa” a una donna e a una città, la Sarajevo che ascoltava i poeti negli scantinati per dimenticare almeno per un momento il dolore della guerra. Il pubblico che ha affollato il Piccolo Teatro del Giullare di Salerno è stato sedotto da Erri De Luca nella serata condotta dal giornalista Paolo Romano in cui Brunella Caputo e Cinzia Ugatti hanno proposto un’appassionata lettura di stralci tratti dalle opere più note dello scrittore napoletano. Uno scrittore più che mai attratto dalla capacità del linguaggio di generare la vita: il motivo che lo ha spinto ad accostarsi alla Bibbia.“Mi piaceva molto il fatto che non fosse letteratura, che non si preoccupasse di avere un lettore, dato che esistevano ascoltatori, tramandatori della parola –ha detto-Che quella divinità si manifestasse fisicamente con la parola mi ha riguardato come uno che ha messo tutte le sue uova nel cesto del vocabolario da cui trarre parole per i miei scritti. Quel dire precede, procura e determina il creato. La parola al suo vertice si porta dietro la responsabilità di chi la pronuncia”. De Luca sa che le parole possono uccidere e che il razzismo ne fa un’arma impropria a cui bisogna opporre una sensibilità non allineata. “Mi sento cittadino del Mediterraneo, un intruglio dei nostri sangui. Sarebbe interessante analizzare quanto nel nostro sangue ci sia di fenicio, ebreo, normanno. Assistiamo al peggor commercio marittimo della storia dove la merce umana ha una sorte peggiore della tratta degli schiavi, dove contava che il prodotto, pagato alla consegna, arrivasse illeso, cosa che non conta affatto oggi. Facile immaginare cosa diranno di noi quelli che verrano dopo”. E se la parola rivoluzione ha ormai esaurito la sua funzione storica, non resta che resistere dal basso a ogni minaccia alla salute pubblica. Il diritto all’integrità fisica è una priorità assoluta. Senza dimenticare l’importanza dell’anarchia, “una delle formule della disobbedienza di cui Charlie Hebdo è stato l’ultimo sfiato sulfureo”.

“L’Italia s’è desta”, il sonno dell’etica

Gli abitanti del piccolo paese della Calabria-non occorre un nome, potrebbe succedere ovunque-possono ridere quanto vogliono al passaggio di “quella”, ”la scema”, “scarpe strane”. Non mostrano certo la stesa sfrontatezza se si allude alla loro vita apparentemente immobile, dove “ogni tanto sparisce qualcuno”. “L’Italia s’è desta”, il monologo di Dalila Cozzolino per la regia dell’autore del testo Rosario Mastrota, ha chiuso tra gli applausi del Piccolo Teatro del Giullare di Salerno Geografie, la rassegna ideata e diretta da Vincenzo Albano sul teatro calabrese contemporaneo. L’ironica naturalezza con cui la Cozzolino connota il suo personaggio, un’idiot sauvant in gonnella che possiede, in tutti i sensi, una vista ben più acuta dei compaesani, innesca immediatamente un meccanismo di complicità con questa creatura generosa e fragile, sulla quale gli sguardi tacciono se non per deridere o cercare goffamente di proteggere, come mostrano le allusioni a una madre spenta dalla lontananza del padre. Carla Libonati è invisibile come le vittime degli “ndranghetisti” che ordinano ai “brutti” di “appicciare” i negozi di chi non paga il pizzo e rapiscono e uccidono, come accade a Maria, l’unica amica della protagonista. Lo spettacolo si regge su una denuncia sociale tanto più feroce quanto più mediata dalla leggerezza. La violenza non è confinata in una terra che si costruisce da sola le sue trappole, ma è sistemica. La statua di Garibaldi per cui sono stati abbattuti alberi secolari e i contrasti tra il prete “vecchio” e quello “giovane” esprimono uno scempio dell’etica di cui la sola Carla sembra rendersi comicamente conto, avvolta in un silenzio che è limite e arma. Quando però a sparire è la sola cosa che stia a cuore al Paese, ovvero la Nazionale di Calcio sequestrata dalla malavita, sarà “scarpe strane” a indicare il dirupo in cui è nascosta con un mezzo, non a  caso, tipico dei criminali: la lettera scritta con ritagli di giornale. E la frase “L’Italia è nel burrone!” si carica di sensi ulteriori, dato che la legalità si è schiantata da tempo al suolo. Tutta la felicità di Carla esplode nel sentire il suo nome alla radio, dato che il Presidente “Sergio Mattarello” la insignirà di una medaglia, ricevendo in cambio una bella pagnotta. I doni si ricambiano, non certo come gli “ndranghetisti” che ripagano il bene col male. Con buona pace di Giulietta, un nome è ciò che indica, ne legittima l’esistenza. Ma il nome che dovrebbe distinguere definitivamente dal contesto la giovane ne ribadisce le catene. Libonati, il padre sparito e desiderato, è il boss assassino di Maria. L’innocenza non basta a salvarsi dal marcio. E mentre si allontana su una bici dove ha posto un tricolore con la spensieratezza di una bambina, Carla avverte l’amarezza di come sia terribimente facile perdere quel poco in cui si crede in un’Italia che si desta per il calcio, ma non per scrivere una storia diversa. 

“Bollari”, il canto della natura e della violenza

Il palco è ancora al buio quando risuona il canto del rematore. L’uomo emerge dall’ombra e in un movimento circolare scandisce il ritmo battendo sul petto. Sul mare il tempo ricade di continuo su se stesso e corpi e onde sono parte dello stesso respiro. Presso il Piccolo Teatro del Giullare di Salerno, in una scena riempita solo dal suo carisma, Carlo Gallo ha guidato il pubblico di Geografie, la rassegna ideata e diretta da Vincenzo Albano sul teatro calabrese contemporaneo, nel mondo primitivo, eppure vicinissimo, di “Bollari”, il nome che i pescatori crotonesi danno ai tonni, salutati con gioia  come una promessa di felicità. Su quella parola, urlata  con tutta la disperata energia di chi sogna un altrove, si chiuderà la messinscena strutturata come un intreccio di storie di uomini dediti da sempre alla pesca in un contesto a cui sembrano bastare i propri confini, ma che non sfugge alla violenza della storia. A figure delineate con realismo spiazzante (Mastu Rafele, padre nel narratore, orgoglioso e devoto conoscitore delle insidie dello Jonio che si è giocato una mano per una delle molte bombe fabbricate per uccidere i tonni; Suricicchio, che riscatta dinanzi alla morte la sua fragilità) si contrappone la tronfia prepotenza del fascismo, che oscilla tra retorica (la frase mussoliniana sul passo avanti a cui la Calabria è destinata) e prove di forza dal fiato corto. La realtà dei pescatori è percorsa da tensioni e contrasti, come mostra la lotta alla fame e il desiderio di controllare la Cicella, la più grande imbarcazione del tempo, ma possiede una forza e una dignità che nessun potere costituito può anche solo lontanamente immaginare. L’episodio, realmente accaduto, del cammello impigliato tra le reti, probabilmente gettato in mare da una nave fascista, diventa metafora dell’assurda pretesa, che puntualmente naufraga, di spingersi oltre tutti i limiti e che è propria di chi sceglie la via della guerra. La bomba che uccide Rafele e i tonni è una prefigurazione della frattura tra natura e uomo che il conflitto porta con sé. E se esplosioni ben più selvagge vogliono cancellare racconti e memorie, Carlo Gallo, moderno aedo, fa rivivere i sogni e il coraggio di chi insegue i bollari (e dunque, la vita) a dispetto di quel veleno che è l’ansia di ditruggere.

“Spingi e respira”, giocarsi l’anima su due ruote

“La vita e il ciclismo non ti regalano nulla”, dice l’uomo sul palco abituato da sempre a fronteggiare “la danza del vento” e “i pugni del caldo “. Per questo non si può fare altro che attingere a quel che si ha dentro, scavare nella pelle e nell’anima in ogni momento della corsa.  Accolto con entusiasmo presso il Piccolo Teatro del Giullare di Salerno, “Spingi e respira” di e con Lorenzo Praticò (che ha curato la regia con Gaetano Tramontana) ha segnato la seconda tappa di Geografie, la rassegna ideata e diretta da Vincenzo Albano che esplora le suggestioni del teatro contemporaneo calabrese. Lo spettacolo annulla qualunque distanza temporale e fisica tra il momento della gara, che è prima di tutto un immergersi in sé, un guardare fino in fondo alle proprie motivazioni e fragilità, e il passato che recupera forza a ogni istante attraverso un padre che è guida e complice. Che Praticò incarni da solo tutti i personaggi del racconto è naturale (una vita non è solo somma, ma fertile contaminazione tra altre vite) come lo è la scelta del vernacolo per le voci familiari. È un storia di sudore e polvere, di cose da conquistare e da abbandonare, e solo il dialetto, che è immedesimazione senza filtri nel fluire delle sensazioni, può restituire autenticità a quel che si vive. Il ciclismo diviene romanzo di formazione nell’accidentato percorso che va dalla voracità della vittoria alla consapevolezza dei propri limiti: il momento che mozza il respiro in cui tutto viene messo in gioco (speranze, amori, frustrazioni) e non resta che farsi travolgere o vivere nuovi slanci. Anima e corpo non sono mai cosi inscindibili come nella sfida su due ruote e se tutto è nello stesso frangente spirituale e corporeo anche oggetti e paesaggi possiedono una forza, come la bici che porta il nome di un’antica passione o la salita da conquistare, anzi, da amare e proteggere come una donna. In questo contesto la celebrazione di Fiorenzo Magni, di cui scorrono le immagini sullo schermo mentre Praticò diviene appassionato cantastorie,  funge da exemplum delle straordinarie conquiste della volontà (a questo servono gli eroi, a ricordarci cosa possiamo sognare) ma è anche caldo invito a trovare nel proprio animo l’energia di svincolarsi da nevrosi e timori. La corsa non ha fine, perché pedalare equivale a respirare e ci sono tante strade ancora da percorrere nella mente.

“NottePasolini Atto II”all’Università di Salerno

Lasciare il segno è prerogativa di pochi. Pasolini sapeva di dover combattere su ogni fronte: un Paese fintamente laico e fintamente cattolico, una cultura spesso dimentica della necessità di obbedire al senso critico, un pubblico assopito nell’assodato e spesso lontano da chi si mette in gioco senza mediazioni. Le parole dell’intellettuale, profetiche, scomode, lapidarie sono ancora un punto di riferimento per chi abbia la forza di credere nella libertà e “NottePasolini Atto II”, in programma a partire dalle ore 20.30 dell’8 maggio presso il Teatro dell’Università degli Studi di Salerno, vuole ripercorrere le tappe culminanti di un percorso quanto mai fertile dell’immaginario e dell’etica. La serata rientra tra le iniziative promosse da “UnisArt” (polo delle attività culturali dell’Ateneo) ed è diretta da Alfonso Amendola (cattedra di Sociologia degli audiovisivi sperimentali) in collaborazione con Luca Lanzetta (Art Director) e ha come media-partner UniSound (la web radio dell’Ateneo), l’Associazione “MusicAteneo”, “Telecolore”, Rivista Milena, “Davicon Productions” e “MPS Social”. Dopo i saluti istituzionali di Aurelio Tommasetti  - Magnifico Rettore Università di Salerno- e di Pina De Luca - Delegato del Rettore alle Arti e allo Spettacolo (coordinamento UnisArt)-, si terrà il reading musicale a cura di Pasquale De Cristofaro (attore, regista) e Gianfranco Rizzo (presidente Associazione Musicateneo, che curerà le musiche). Nel lavoro tratto dal pasoliniano “Poeta delle ceneri”, il volto dell’autore prenderà corpo grazie ad un lavoro dell’associazione Davicon Productions e a partire da un dipinto dell’artista Marianna Battipaglia, per dimostrare come filosofia e poesia fossero in lui inscindibili. Le testimonianze video della celebre fotografa Letizia Battaglia e di Enrique Irazoqui, protagonista de “Il Vangelo secondo Matteo”, permetteranno di conoscere aspetti nuovi del poeta, mentre la narrazione “Nel ventre della Balena” di Elio Goka (scrittore) e Davide Speranza (giornalista e narratore)  traccerà un itinerario da Melville alla Fallaci per riflettere sul contrasto tra l’individuo e ciò che lo minaccia. La serata si concluderà alle 21.45 con “Davanti agli occhi”, lo spettacolo basato su testi di Elio Goka e diretto da Antonio Grimaldi in cui le tematiche di Pasolini diventano occasione per riflettere sui mali di una modernità che si è illusa di aver saldato i conti con se stessa.(Nelle foto, Alfonso Amendola e la Compagnia Teatro Grimaldello)

“Penelope tango”, alla ricerca della propria anima

Non vi è molta differenza tra Itaca e un appartamento moderno. Sono secoli che le donne attendono uomini che si ricordino di tornare da loro. E l’autocoscienza spesso passa attraverso il momento sospeso e incerto dell’abbandono. Giocato abilmente su toni ironici e dolenti, “Penelope tango” è lo spettacolo applaudito presso il Piccolo Teatro del Giullare di Salerno in cui la regista Licia Amarante punta la messinscena su una simmetria emotiva che accosta ciò che è solo all’apparenza distante. Padrona del palco in ogni momento, Antonella Valitutti è la sposa di Ulisse, forte della sua dignità e del suo tormento, che non sfugge né alla fragilità né alla consapevolezza dell’ipocrisia che l’attornia (attendere è un’arte sottile e crudele, chi l’osserva da lontano non può coglierne i meccanismi, la determinazione, la consacrazione). L’attrice veste però anche i panni, con comici effetti, della donna che nutre rancore per il compagno che l’ha lasciata, prigioniera della sua ossessione come la regina greca lo è della sua solitudine. Nel fare i conti con la presenza e l’assenza, ugualmente gravose, dell’amato, Marika Mancini costruisce un personaggio tenero e paziente in continua evoluzione. Compie infatti un lungo cammino da semplice sfondo dell’egoismo maschile, scelta che la rende simile alla pianta innaffiata sul palco, a persona in grado di accettarsi per ciò che è e non per quel che la lega a chi del legame può fare tranquillamente a meno. La scenografia, ridotta all’essenziale per evidenziare ciò che vivono le protagoniste, ha il suo fulcro in un telaio (la mescolanza dei fili riflette l’intrico dei pensieri), che è anche una persiana semiaperta, sigillo di un’esistenza a cui è negato uno sbocco. Sarà appunto il telaio a essere tagliato dalle due donne, che si scoprono l’una il riflesso dell’altra, nella conclusione. Se un fantasma ha tenuto in ostaggio il loro tempo, la loro identità è infinitamente più concreta dei miraggi e delle promesse di chi ha scelto di non esserci anche quando è presente. L’attesa è finita. Si può iniziare a vivere.

“Patres”, storia di viaggi e attese

“Gira e rigira, sempre qua si ritorna”. Ha la sicurezza di un oracolo il ragazzo seduto in prossimità della battigia. La sua cecità, il cane Argo, l’attesa del padre rimandano immediatamente a Omero, ma le storie che si narrano in questo microcosmo mirano a esorcizzare ciò che si ostina a riaffiorare. Applaudito presso il Piccolo Teatro del Giullare di Salerno, “Patres”, scritto dal regista Saverio Tavano, ha aperto GEOgrafie, la rassegna ideata e diretta da Vincenzo Albano dedicata al meglio che la scena calabrese possa offrire. C’è molto da scoprire in questa storia apparentemente semplice (attendere un genitore che non fa che ripartire). La fune che lega a un piede il giovane (Gianluca Vetromilo, che crea subito empatia con il pubblico con la sua tenerezza disarmante e mai innocua) è un modo per proteggerlo, secondo il suo Ulisse senza gloria (Dario Natale, che dà vita a un personaggio dall’affascinante ambiguità). È tuttavia anche un modo per confinare lontano dal proprio maschio vigore la prova evidente del tempo che passa e una debolezza mal sopportata da chi celebra solo il proprio egoismo. Al suo ingresso sul palco, l’uomo danza sulle note di una musica balcanica, perché ogni viaggio mescola coordinate e suggestioni nuove, e compie flessioni per ribadire la sua instancabile energia. La corda è tuttavia anche immagine di un vincolo che non vuole essere infranto: quello con la fanciullezza, di cui è segno la nave giocattolo, simbolo tra l’altro della sostanziale piccolezza umana, e con una natura da vivere senza filtri (l’illusione di questo nuovo Telemaco di percepire i colori solo allungando le mani, perché non occorrono gli occhi per sentirsi parte del tutto). Padre e figlio si rivelano complici, antagonisti, lontani e vicinissimi come nell’ironica iniziazione sessuale con una bambola gonfiabile che si lanciano divertiti come due bambini. L’adulto, sedotto dagli inviti di uno zio a mollare tutto, racconta per isolare il figlio nella sua condizione, per soffocare il disagio di una presenza puntualmente tradita. Ed è infatti un tradimento a emergere tra le parole di un vernacolo ben distante da qualunque dimensione folkloristica e necessario nella sua ruvida e musicale concretezza. È ormai definitivamente compromesso il legame con il mare – e dunque, con la vita- verso cui si proclama amore e rispetto. Si allude a morti e menomazioni legate a una nave mefitica, sulla quale forse il padre stesso è stato imbarcato, e si fa strada il sospetto che la cecità sia conseguenza di un disastro che questi non ha saputo o potuto impedire. Si arriva allo scontro, ma chi genera e chi è generato sono le due stagioni dello stesso individuo: non possono essere separati. Il cieco lasciato a dondolarsi su una sedia mentre si immagina timoniere, prima del nuovo abbandono, è lo struggente tentativo di seppellire nel sogno il dolore della perdita. Ma tanto, “sempre qua si ritorna”. Non si può sfuggire né alla mente né al passato. Per quanto il viaggio non abbia più né bussole né approdi, si deve tornare dove un’identità dispersa ha iniziato a desiderare ciò che le resta precluso.