Nell’osservare ciò che accade in scena, risulta naturale dare ragione a
Giambattisto Marino (“E’ del poeta il fin la meraviglia”), ma Titizè – A
venetian dream è ben oltre questo assunto: la carica evocativa dei movimenti e del
suono conduce lo spettatore dove non avrebbe immaginato di giungere. Ha aperto
con pieno successo la stagione di prosa del Teatro Verdi lo spettacolo di
Daniele Finzi Pasca
con Gian Mattia Baldan, Andrea
Cerrato, Francesco Lanciotti, Luca Morrocchi, Gloria Ninamor, Caterina Pio,
Giulia Scamarcia, Rolando Tarquini, Micol Veglia, Leo Zappitelli. Le
musiche, eseguite dall’Orchestra di Padova e del Veneto diretta dal Maestro
Pasquale Corrado con la partecipazione del Coro Città di Piazzola sul Brenta,
portano la firma di Maria Bonzanigo, la scenografia è a cura di Hugo Gargiulo, assistito da Matteo
Verlicchi, mentre i costumi sono di Giovanna
Buzzi. Che l’allestimento sia un atto d’amore verso Venezia, a cui
rimandano maschere, costumi, il titolo stesso, che significa tu sei, è, per
così dire, solo l’inizio del viaggio. Nella bellezza dei quadri proposti,
infatti, il pubblico è spinto a rintracciare sensazioni nel modo più libero
possibile. Da qui la scelta di annullare qualunque confine tra palco e platea
nel momento in cui gli interpreti si muovono tra gli spettatori, magari con la
sagoma di un impetuoso cavallo o inviando un delfino telecomandato sulle teste
di chi osserva. Nel giocare con tutte le possibilità espressive del corpo, tra
prodigiose scalate, sospensioni, funambolismi che intrecciano grazia e passione,
si apre il ventaglio delle interpretazioni senza sottrarsi ad alcuna
suggestione, che si tratti delle influenze di Tiepolo e Longhi o delle
composizioni di Vivaldi e Donizetti in un tessuto sonoro originale. Quando uno
degli interpreti percorre una pertica come se la gravità non esistesse, sta
esortando a sperimentare l’attrazione verso il mondo onirico e a non temere di
ripiombare verso il basso, dove sembra che tutto sia chiaro e definito. Nel
confronto tra un eroe in armatura malamente sbatacchiato di qua e di là e un
raffinato controtenore non vi è solo il rimando all’Orlando furioso, ma si
contrappone la forza della musica, che sa sopravvivere a tutto, al convulso e
assurdo succedersi degli eventi umani. La partita di paddington, in cui si
misurano gli artisti impegnati poco prima nella glassa armonica (strumento
associabile all’acqua di Venezia, ma anche alla fluidità dei pensieri) ricorda
l’importanza della dimensione giocosa nelle azioni e nelle consuetudini, al
punto di poter affermare che giocare (jouer significa recitare in francese, non
a caso) diventa sinonimo di vivere, anche se le regole vengono continuamente e sarcasticamente riscritte. Anche l’esibizione
del mago, a conclusione della quale una delle protagoniste dovrà andarsene con
una lama conficcata nella schiena, mentre assistenti vestiti da insetti sono
ironici complici, pone in evidenza il fascino inossidabile dell’illusione. La
maestosa sirena che sovrasta ondeggiando i bagnanti, pronta a scacciarli
capricciosamente, è un invito ad abbandonare la rigida razionalità e al tempo
stesso, nella sua aura fiabesca, mostra la vanità delle frontiere tra un ambito
e l’altro, tra una percezione e l’altra. Il cerchio in cui si sovrappongono un
uomo e una donna bendata (la vista comunemente intesa non soccorre, quando
emerge ciò che si ha dentro) in un continuo ondeggiare (il tempo è ciclico) fa
da controcanto all’esibizione di due figure che, sospese in uno spazio
delimitato dai laser come se fossero in un prisma, si cercano, si uniscono, si
allontanano, restituendo sacralità all’unione dei corpi, mentre un interprete
diffonde fumo con indosso una maschera di maiale. Si ha, così, una sorta di
moderno turibolo, mescolando levità e dissacrazione. Innovazione e tradizione
si danno la mano, se, per esempio, si gira in cerchio in tre su una bici
intonando una filastrocca per Goldoni : nulla viene davvero dimenticato, se si
traccia il periplo della fantasia. In questa festa dei sensi, risulta coerente
la telecamera, puntata dall’alto su attori che agiscono restando a terra e
comunica, quindi, l’idea che si trovino su un piano verticale coloro che in
realtà sono su un piano orizzontale. Visioni, dinamiche, spazi sono, dunque, energicamente ripensati senza trascurare
aspetti esoterici (gli attori con maschere di elefanti e rinoceronti nella
conclusione). Le geometrie degli acrobati vestiti da Pulcinella catturano lo
sguardo nell’ultima fase della messinscena. La malinconica e ammaliante
leggerezza delle figure induce a comprendere che il teatro è la risposta e c’è
sempre un altrove da respirare.
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