Entrare in un equivoco locale notturno in cui trovare qualcuno che sia
il proprio sbiadito riflesso? Un cliché. Bere brandy e giocare con una
misteriosa parola d’ordine? Ancora un cliché. Fare il proprio ingresso con una
maschera e un lume in mano, mutandosi in metafora polisemica? Visto e rivisto a
più riprese. Come sfuggire alla palude dell’ovvio, che risucchia nel nulla ogni
slancio? Anche il pubblico è continuamente sollecitato nella risoluzione del problema
in “Eterno ripetersi banale”, lo spettacolo del collettivo livornese Adda,
presso il Piccolo Teatro del Giullare di Salerno, in cui Leonardo Ceccanti (autore
del testo), Matteo Ceccantini (regista) e Matteo Risaliti dimostrano un
energico e accattivante dominio del palco. La messinscena segna una nuova tappa
nel percorso di Mutaverso, il progetto artistico a cura di Vincenzo Albano. Nell’incontro
con gli spettatori condotto dal giornalista Michele Di Donato, la compagnia ha
affermato che la sincerità, nel proprio lavoro, è tutto e che non si può
inseguire un obiettivo, se non lo si sente nelle proprie corde. Nell’allestimento,
tuttavia, è proprio la sincera presa d’atto a mostrare la corda. Le tre figure
(una didascalia vivente e due protagonisti) cercano in ogni modo uno spessore
creativo che le riscatti da una condizione inaggirabile e castrante: essere
funzioni narrative, elementi di un testo che dovrebbe farsi sangue e ossa e
puntualmente si scontra con soluzioni già adottate, sentieri già percorsi. Fare
il verso degli indiani per decostruire il linguaggio, indicare gli attori
semplicemente come “uomo” per dissolvere l’identità, fare della pagina bianca
l’origine di una nuova performance, per tacere del desiderio di picchiare le
persone in poltrona, sono tutte scelte ormai da tempo tramutate in stereotipi. La
didascalia stessa è una convenzione e abbandonare i compagni di viaggio per poi
ripiombare gridando “Fine” non è una soluzione. Chiamati continuamente in causa
sulla trama e sul loro rapporto con i gesti e le bugie di una quotidianità
asfittica, gli spettatori non sono d’aiuto nell’impasse, mentre si scontrano il
personaggio desideroso di innovazione e quello che comprende come sia
impossibile tenere il ritmo di un mondo che corre a precipizio. Chi li osserva
all’opera, dopotutto, non cerca mica nel teatro una ragione per andare avanti:
ha bisogno di un lavoro, di cibo, di droghe leggere. Certo, il teatro esiste
per nutrire gli sguardi. Ma quando anche quegli occhi non conducono da nessuna
parte, non è meglio ripiegare su qualcosa che sia accessibile a tutti, invece
di spendere ogni energia alla ricerca dell’inafferrabile? Dosando abilmente il
sarcasmo e il pathos, un’azione scenica sull’impossibilità di concretizzare tale
azione diventa una riflessione sul limite, su quanto paradigmi e
condizionamenti ci serrino la gola e su come la partita tra significato e
significante sia da sempre truccata. Attente scelte drammaturgiche rendono il
discorso felicemente ambiguo. Quando i due interpreti fingono di puntarsi
addosso una pistola dopo aver imboccato il vicolo cieco della cosiddetta
normalità come riscoperta di sé (una panchina, due amici, chiacchiere banali nell’intento
di giungere a chissà quale dimensione interiore) per poi minacciare la platea,
ricordano che l’essenza del palcoscenico è il conflitto: elemento lontanissimo
dalla comoda acquiescenza al già detto e al già vissuto. La scelta audace di
esplicitare i sottotesti, cioè di chiarire quel che vibra oltre le parole e i
convincimenti, lasciando che il buio illuminato appena e rumori evocativi
invadano tutto (una campana, il mare, la risata di un bimbo) è un ritorno al
principio dell’uomo misura di tutte le cose, da cui è nata ogni evoluzione. Quando
è la didascalia stessa a minacciare gli altri due a mano armata, ma scarica,
per poi fare in mille pezzi il testo a cui tutti hanno finto di attenersi,
scatta l’identificazione con ciò che è sempre esistito in funzione di
qualcos’altro (l’indicazione di un copione, appunto) e vuole finalmente
lasciare un segno di per sé, senza vincoli. In quell’attore, che entra nel
quadrato tracciato con il nastro adesivo dove si attua la rappresentazione e
che mostra come tutto sia possibile, risuona il desiderio di chiunque di
pensarsi al di fuori del sistema. Neppure questa è, però, la via. I tentativi
di evadere da solchi prefissati si concludono tutti dinanzi all’orrido rischio
di banalizzare ogni dettaglio. Il momento in cui, eliminata parte del nastro in
terra, gli attori sembrano disarmati, mentre la didascalia ricompone i pezzi
del copione, non è una resa, ma l’urgenza di un nuovo inizio. Si scopre che la
parola d’ordine è soggetto: quello di una drammaturgia, ma anche quello che non
teme di essere unico. Essere unici, viene detto, significa, infatti, non essere
riconosciuti, scontare il prezzo di non essere collocabili in una prospettiva
comune. È per questo che i teatranti, dopo aver rivolto al pubblico l’ultima,
ovvia domanda, si coprono gli occhi come all’inizio dello spettacolo. In un
buio fuori da ogni attesa, può rinascere, forse, l’eterna sfida di un corpo che
si fa parola e pensiero, senza temere che le luci in sala non si riaccendano
più.
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