“Ho. Me”, il fragile confine dell’assodato

Vigilare, vigilare di continuo. Gli stessi gesti (soffiare su una candela accesa nel medesimo modo per esprimere la necessità di nutrirsi, salutarsi disponendo le braccia in attente geometrie), gli stessi ritmi (la nervosa pulizia delle scarpe, l’elenco delle qualità delle balene con tono all’apparenza impersonale), addirittura lo stesso modo di comunicare ciò che realmente si pensa, schioccando la lingua sui denti o sostituendo una risata con un’onomatopea. E difendere i confini, naturalmente. Tenere ben chiuse le porte. Ma ciò che è delimitato attende solo di essere superato, violato, modificato. Attenta riflessione sull’intolleranza e la diversità, “Ho. Me” è lo spettacolo della compagnia Vernice Fresca Teatro che ha aperto con successo presso l’Auditorium centro sociale di Via Cantarella la seconda stagione di Mutaverso, la manifestazione che ha in Vincenzo Albano il suo direttore artistico. L’allestimento, ideato da Martha Festa che è in scena con Jessica Festa, Rossella Massari, Arianna Ricciardi, si avvale della drammaturgia di Valentina Gamna e della regia di Massimiliano Foà. Le due donne che costruiscono la loro vita in base a un preciso copione sanno di doversi difendere dagli stranieri; facile pensare al dramma dei migranti, ma è proprio la categoria dell’altro a essere temuta e ripudiata. Lo spazio domestico rispecchia un contesto che vuole riconoscere solo se stesso, come mostra la vicina armata di fucile. Quando però una donna che ha perso tutto giunge dal mare attraverso una porta (dimenticata?) aperta, l’equilibrio si infrange e le protagoniste vivono la ripugnanza, il sopruso, la complicità, il bisogno di ricominciare. Le attrici sanno creare con spiazzante concretezza i meccanismi della manipolazione: la danza a cui costringono la profuga è un tentativo di modellarle l’anima attraverso il corpo e la straniera la imita con dedizione ossessiva nel tentativo di essere accolta. Il lenzuolo che copre il corpo dell’estranea nel sonno (sonno disprezzato, perché toglie tempo alla vigilanza) mira a seppellire ogni sua traccia non meno dell’elusione delle domande fondamentali (“Voi non siete come noi” “Noi chi?”.  “Siamo in guerra con voi” “Voi chi?”). Un ruolo va in pezzi tuttavia proprio dove si pretende che non sia scalfito. Per non destare sospetti, la nuova venuta è presentata come la sorella delle abitanti della casa e nella menzogna c’è la verità; sono infatti unite dalla prigionia, l’una dello sradicamento, le altre del pregiudizio. La descrizione dapprima fredda e poi accorata delle balene, animali liberi che hanno in se stessi, non in un codice, la ragione di esistere, è una presa d’atto dell’inutile pretesa di definire, incasellare, confinare in un ambito, tanto che una delle interpreti si lascerà tutto alle spalle. Le scarpe che cadono in terra al momento di abbandonare l’abitazione richiamano alla mente coloro che sono morti,ma anche le infinite strade che sarebbe stato possibile percorrere lontano da ciò che disumanizza. Le grandi scale in scena da cui osservare lo spostamento dei cetacei preannunciano l’urgenza di superare le percezioni annichilite dall’insofferenza. Su una di esse si arrampicherà “l’intrusa”, per volgere al mare che l’ha risparmiata lo sguardo di chi comprende che ascoltare i sensi e le emozioni è il primo passo per trovare in se stessi la propria casa.

Successo al Giullare di Salerno per “Fragile”

Com’è difficile essere all’altezza di ciò che non ci somiglia. Ancor più difficile però è mettere a tacere la propria anima. Tre donne (in realtà quattro con l’anziana Naomi, interpretata all’unisono dalle tre attrici perché può incarnare l’esito dei percorsi precedenti) si misurano con quello che la vita pretende da loro in “Fragile” di Arnold Wesker, che Licia Amarante e Antonella Valitutti hanno diretto presso il Piccolo Teatro del Giullare di Salerno. I ruoli richiesti all’altra metà del cielo sono spesso scomodi: la donna amorevole e premurosa che non vede oltre una serie di riti formali e che non a caso appare di spalle all’inizio dello spettacolo, dato che la forma può tranquillamente fare a meno dell’essenza (Stephanie, che Marika Mancini crea con appassionata dedizione), la madre che deve combattere con i malumori della figlia (Ruth, che ha il volto dell’ironica e tenera Bernadette Landi), la scrittrice chiamata a giustificare il suo successo (Annabelle, tratteggiata con acuto disincanto da Rosita Speciale). Nulla è tuttavia più debole delle maschere e ciò che è stato attentamente nascosto riemerge. L’abbandono del marito, attratto da un’altra, spinge Stephanie a comprendere di non averlo mai amato, divenendo di fatto estranea a se stessa per la forza dell’abitudine. La divina monella, come Ruth chiama sua figlia (Carlotta Costantino che appare con la leggerezza del sogno, perché tale è ogni ragazza per chi la genera), induce la donna a prendere atto del suo bisogno d’amore dietro l’ostentata indipendenza da ogni uomo. Annabelle deve rispondere per due volte alla stessa intervista attraverso la voce fuori campo di Antonella Valitutti: conoscere davvero è impegnativo ed è meglio restare nel solco dell’assodato. Se però in un primo momento l’autrice manifesta il suo approccio viscerale alla scrittura, come se fosse dominata dai suoi personaggi, in seguito si dice interessata esclusivamente alla fama e al potere. La cecità di un mondo incapace di comprendere è denunciata dal suo cinismo. Le protagoniste hanno tutte perso qualcosa, ma non la capacità di sentirsi vive, di ascoltarsi, di cogliere ciò che altri non vedono. La vecchia Naomi, a cui resta soltanto la telefonata di un nipote a farle compagnia, fa bene a ridere del principe azzurro: è l’idea che un miraggio possa colmare un vuoto a essere davvero fragile.

“Itaca”, il progetto di Mutaverso sotto il segno di Fassbinder

Molto più di un laboratorio:  un’esperienza di condivisione che sia totale messa in gioco. Inizia oggi presso la Chiesa di Sant’Apollonia e terminerà il 7 gennaio “Itaca/ La bottega dei ritorni”, una piccola residenza artistica che riunirà operativamente alcuni attori di Salerno e provincia, i quali prenderanno parte al laboratorio di Nerval Teatro “La Germania che ho in testa” a cura di Maurizio Lupinelli. L’iniziativa è il primo passo di Mutaverso, la stagione teatrale, giunta alla seconda edizione, che ha in Vincenzo Albano il suo direttore artistico.  I venti interpreti coinvolti si misureranno con un testo di Fassbinder, “Sangue sul collo del gatto”, pièce del 1971 che non perde a distanza di anni la propria capacità di incendiare il concetto stesso di confine e di regola. La protagonista, Phoebe Zeitgeist, è un’aliena che vuole studiare il linguaggio degli uomini, ma nulla è più ingannevole della comunicazione e la tendenza della strana ospite a ripetere meccanicamente e all’apparenza senza senso parole e frasi porterà alla luce contraddizioni e assurdità del comportamento umano. L’ex femminista fallita, il piccolo borghese, la modella in grave regressione, l’omosessuale emancipato, per citare solo alcuni dei personaggi, confluiranno in un contesto che saprà fare a pezzi ogni rimozione. L’opera va tuttavia considerata un canovaccio che porti alla luce la specificità dei singoli percorsi degli attori, così che la comune esperienza possa dare frutti al di là di ogni intento programmatico. Sono previsti un piccolo gruppo di uditori, un diario di bordo a cura di “Scene contemporanee”, partner dell’iniziativa come Puracultura, e un docufilm che testimoni il percorso svolto.  “Quello di Itaca non pretende di essere un censimento esaustivo delle risorse artistiche legate all’ambito di Salerno e provincia- ricorda Albano- né tantomeno si intende fare riferimento alla retorica del nemo propheta in patria. Maurizio Lupinelli è un capofamiglia ideale che sa creare un gruppo in un ambito che vuole dare vita a relazioni al di là di ogni frammentarietà. Ecco perché il pubblico può assistere a ogni fase di questo itinerario e il 7 gennaio sarà un momento di restituzione alla platea di quanto compiuto. Credo alle affinità, non alla rete. Il dialogo tra individui diversi, sia pur accomunati dalla provenienza geografica, è il punto di partenza di una costruttiva relazione con la scena e ciò che la circonda”.

“Birre e rivelazioni”, l’amaro sapore della verità

Un pub accogliente, due chiacchiere davanti a un buon bicchiere, le canzoni di Simon e Garfunkel che raccontano il respiro libero di chi si apre al mondo, senza ipocrisie. Cosa desiderare di più rassicurante? Eppure è in ciò che è familiare che si scavano le crepe più profonde o si intrecciano –fuori binario- distanze impensate. Applaudito alla Sala Pasolini di Salerno nell’ambito del cartellone di Casa del Contemporaneo, “Birre e rivelazioni-atto unico in otto birre”, scritto, diretto e interpretato da Tony Laudadio al fianco di Andrea Renzi è un lento studiarsi che diventa duello verbale, in cui le parole spingono corpi e coscienze fino ai margini di un gioco al massacro, uno psicodramma che è seduzione del proibito e solitudine dell’assodato, destinato a crollare inesorabilmente sotto il suo stesso peso. Il proprietario del locale, Sergio (Renzi, che crea il suo personaggio con un’immediatezza ruvida e intensa ben lontano da qualsiasi eccesso o tentazione caricaturale) si crede un padre del tutto all’altezza del suo compito: si illude di comprendere il figlio Francesco, allievo di Marco (Laudadio, che sa conferire una forza spiazzante alla leggerezza e alla sicurezza del demiurgo), oscillando tra ironia e attenzione. Sarà il docente a togliergli il sonno: il ragazzo è anche attratto dagli uomini in una confusione di istinti e ha baciato Marco, divenuto il suo confidente. Sospetto, rancore, senso di inadeguatezza e bisogno di marcare il territorio si insinuano tra i due adulti che non si contendono solo il giovane, ma gettano sul tavolo tutto ciò in cui credono (la cosiddetta normalità per Sergio, la necessità di ascoltare la natura per Marco). La musica assume in questo contesto un valore fondamentale: esorcizza il disagio, libera il desiderio di esprimersi senza timore di giudizi o categorie, è rimpianto di una giovinezza in cui tutto era ancora possibile. E quando il professore costringe il padre all’umiliazione e ad offrirsi in cambio di un sostegno puramente psicologico al figlio, ormai alla deriva, ecco cadere la maschera: il docente si è finto aguzzino perché il suo interlocutore capisse il prezzo spesso terribile che la diversità è costretta a pagare. Hanno imparato l’uno dall’altro: il proprietario ha mostrato quanto conti per lui l’amore, il coprotagonista ha evidenziato il valore del rispetto. Forse diverranno amici o chissà altro.  E non è un caso che gli incontri siano scanditi dalle birre. Conoscere l’altro significa scendere in lui e in se stessi come l’alcol scende nel corpo. Farsi contaminare dall’altro è l’unico modo per comprendersi, anche a costo di sentirsi in balia di ciò che non si immaginava possibile. Come la birra accarezza la gola, così le parole devono impregnare la carne, finchè tra i pregiudizi nasca un’idea in cui ritrovarsi.

La terra senza palco”, la vittoria di Francesca Romana Miceli Picardi

Davvero curiosa, la vita sul nostro pianeta.  Contraddittoria e fragile. O almeno, così la vede un’aliena che non poteva sopportare l’odore dell’umanità e ora invece è lieta di esserne impregnata.  Con la performance “Torno sulla Terra” , Francesca Romana Miceli Picardi ha vinto il contest “La terra senza palco” nell’ambito del Festival Linea d’Ombra.  La kermesse, a cura di Antonello De Rosa e presentata da Pasquale Petrosino presso la Sala Pier Paolo Pasolini, ha visto impegnate tre compagnie in esibizioni di venti minuti, prive di supporto audio e diretto contatto con il pubblico, ma in grado di avvalersi di videoproiezioni. Nella registrazione di comportamenti, ossessioni, debolezze che appaiono completamente nuovi nell’ottica di uno straniamento ironico ma tutt’altro che inoffensivo, gli atti dei nostri simili sono catalogati con un’immediatezza che polverizza ogni ambiguità (“Squali umani sbranano l’uomo senza far uscire il sangue”, “Guerra: gioco politico a squadre. Regole: vince il più forte. Premi: nessuno). E mentre alle sue spalle scorrono immagini di umani che annegano nella solitudine o cercano un contatto che li renda vivi, la protagonista, teneramente partecipe dietro il distacco della studiosa, si lascia sedurre proprio da ciò che non è catalogabile (la neve, la musica, il bisogno di ricominciare), lasciando intuire che concedersi un domani, un altrove è il primo passo verso la felicità, anche quando l’altrove è a un passo da noi. Muovendosi tra il “Viaggio in Italia” di Goethe e le “Ventimila leghe sotto i mari”, Cinzia Antifona, Valentina Greco e Francesca Pica hanno attraversato- come viaggiatrici incantate e al tempo stesso profondamente consapevoli- i quattro elementi in “Countdown” della Compagnia PolisPapin fino a giungere alla dissoluzione del mondo siglata dalle ultime parole de “La coscienza di Zeno”.  Fiori distrutti, sacchetti d’acqua nella veste, la dolente partecipazione al volo di Icaro (mentre le immagini alludono a disastri ambientali e avidità in figure stilizzate e in un cromatismo che diviene sempre più cupo) esprimono la necessità di fondersi con la natura e l’inesorabilità di un percorso di morte frutto di caparbio egoismo. “Dentro la scatola” di e con Antonio Grimaldi ha posto l’accento sulla fossilizzazione dei ruoli maschili e femminili, evocata da immagini di scheletri costretti in camicie di forza: non esiste infatti prigione più difficile da abbattere di un pregiudizio. Elvira Buonocore ha dato tutta se stessa alla donna che si muta in bambola per compiacere un uomo che la controlla attraverso un carillon e indossa una maschera di gorilla (dove le persone diventano oggetti, l’istinto non coglie altro da sè). Quando il carillon è chiuso, l’attrice si esprime attraverso battute di film famosi: il momento della crisi ne “L’ultimo bacio”, l’addio a Reth in “Via col vento”, dove la celebre frase “Domani è un altro giorno” è significativamente troncata proprio sull’avverbio “domani”,  la morte dell’androide in “Blade runner”. Le battute alludono tutte a una svolta dolorosa, a un punto di non ritorno e i tentativi del “giocattolo” di riscoprirsi donna sono destinati al fallimento. Il lancio di arti finti verso il compagno è un rabbioso rinfacciargli la sua visione a senso unico e quando si mette in vendita in un supermercato con tanto di megafono evidenzia la totale mancanza di dialogo in una realtà claustrofobica: non a caso la scatola che la contiene ha tutta l’aria di una bara. E il pianeta più difficile da conoscere resta la mente, così abile a tendere trappole lungo il proprio percorso.